서양 미술사
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1. 개요
서양 미술사는 선사 시대부터 현대에 이르기까지 다양한 미술 사조와 양식을 포괄하며, 시대별 사회, 문화적 배경과 밀접하게 연관되어 발전해 왔다. 선사 시대의 미술은 종교적, 교육적 목적으로 제작된 조각과 동굴 벽화에서 시작되었고, 고대 시대에는 메소포타미아, 이집트, 에게 문명 등을 중심으로 건축, 조각, 회화가 발전했다. 중세 시대에는 기독교의 영향 아래 비잔틴 미술, 초기 중세 미술, 로마네스크 미술, 고딕 미술이 나타났으며, 르네상스 시대에는 고대 그리스·로마 미술을 부흥시키려는 움직임 속에서 새로운 미술 양식이 등장했다. 근세에는 신고전주의, 낭만주의, 사실주의, 인상주의 등 다양한 사조가 나타났으며, 현대에는 야수파, 입체파, 표현주의, 추상 미술, 다다이즘, 초현실주의 등 다양한 미술 운동이 전개되었다. 20세기 후반 이후에는 팝 아트, 미니멀리즘, 개념 미술, 미디어 아트, 설치 미술, 대지 미술, 퍼포먼스 아트 등 다양한 표현 방식이 나타나며, 오늘날까지도 끊임없이 변화하고 있다.
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- 서양 미술 - 국립서양미술관
국립서양미술관은 마쓰카타 컬렉션을 중심으로 1959년 설립된 일본 유일의 서양 미술 전문 국립 기관으로, 르 코르뷔지에가 설계한 본관에 르네상스부터 20세기 초까지의 서양 미술품 약 4,500점을 소장하고 있으며, 역사적 배경과 정치적 중립성 논란 등의 이슈를 갖고 서양 미술을 대중에게 알리는 것을 목표로 한다. - 서양 미술 - 서양화
서양화는 서구 문명권에서 발전한 회화의 한 갈래로, 고대 미술부터 르네상스, 바로크, 로코코 양식을 거쳐 19세기 개인의 표현을 중시하는 경향이 나타났고, 20세기 다양한 아방가르드 미술 운동을 통해 현대 미술의 발전을 이끌었다.
| 서양 미술사 | |
|---|---|
| 서양 미술 | |
| 분야 | 유화 수채화 인물화 정물화 풍경화 데생 판화 프레스코 조각 소묘 |
| 미술사 | |
| 시기 및 사조 | 르네상스 바로크 로코코 신고전주의 상징주의 인상주의 사실주의 표현주의 입체주의 야수파 유겐트 스틸 초현실주의 다다이즘 추상 아방가르드 |
2. 선사 시대
서양 미술의 역사는 명확하게 시작된 시점을 알 수 없다. 기원전 4만년 전 호모 사피엔스가 등장한 이후, 인류는 발전을 거듭하며 최초의 미술 형태인 돌 조각품을 만들기 시작했다. 기원전 3만년에서 2만 5천년에 만들어졌을 것으로 추정되는 빌렌도르프의 비너스는 서양 미술사에서 최초의 미술작품 중 하나로 여겨진다. 그러나 고대 미술 작품들은 정확한 제작 연도를 추정하기 어렵고, 작가나 제작 민족에 대해서도 알 수 없다. 즉, 미술의 역사는 실제로 역사가 시작되고 오랜 시간이 지난 후에야 기록되기 시작했다. 고대 미술 작품은 대부분 유럽과 남부 러시아에 걸쳐 광범위한 지역에서 발견되며, 돌이나 짐승의 뼈를 조각한 작품이거나 동굴 벽에 그려진 벽화가 대부분이다. 고대 미술 작품은 관상용이 아닌 종교적, 교육적 목적으로 제작되었을 것으로 추정되며, 사람, 들소, 야생말 등 일상에서 흔히 보는 것들을 소재로 삼았다.
구석기 시대 후기에 등장한 원시 미술은 동굴 회화, 암각화, 소형 조각, 짐승 뼈 등에 새겨진 선각화 등으로 나타난다. 실용품에서도 동물이나 물고기 뼈 등을 원재료로 한 기물이나 석기류 등에 동물이나 물고기, 나뭇잎 등을 사실적으로 모방한 문양이 남아있어, 미술의 싹을 엿볼 수 있다. 다만, 이것들이 원시 미술로 분류되고 그 지위가 확립된 것은 20세기에 들어서부터이다.
오래된 것은 오리냐크 문화 시기에 만들어졌다고 하며, 프랑스의 쿠냐크 동굴에 그려진 염소 동굴 회화, 스페인의 라스 치메네아스 동굴에 그려진 사슴 동굴 회화 등이 알려져 있다. 동산 미술로는 브라스푸이에서 출토된 상아 조각 여성 두상상이 있다. 인간을 표현한 작품은 대부분 나체 여성으로, 자손 번식을 기원하는 종교적 의미가 담겨 있었다고 추측된다. 이 시대 미술적 특징으로는, 단순한 윤곽선에 의한 사실적인 표현이나 생식 기능을 강조한 표현이 꼽힌다.
솔뤼트레기의 동굴 회화는 발견되지 않았지만, 마들렌기 에 들어서면 동물의 체모에 따른 명암의 구분, 비만과 수척함을 표현하는 윤곽선을 사용한 표현력이 증가한 동굴 회화가 등장하게 되었다. 라스코 동굴과 알타미라 동굴의 벽화가 유명하다. 이러한 동굴 회화에서는 들소, 순록, 말, 매머드, 사슴 등 사냥 대상이 된 동물의 모티프가 주를 이루었다.
이러한 유물은 유럽 대륙을 거점으로 생활을 영위했던 수렵 채집 민족에 의해 제작된 것이며, 그들에게 중요하고 귀중한 것을 대상으로 조형적으로 재현했을 뿐이며, 후세의 미술이 획득해간 사회적 기능은 가지고 있지 않았을 것이라고, 혹은 누군가에게 보여주기 위해 그린 것은 아닐 것이라고 생각되고 있다.
중석기 시대에는 동스페인에서 흥기한 다양한 동물과 인간을 그린 암벽화 (레반트 미술)나 스칸디나비아 반도에서 러시아에 걸쳐 발달한 암벽 선각화 (극북 미술)가 등장했다. 초기의 것에는 사실적인 표현으로 실물에 가까운 크기를 가진 것도 보이지만, 시대를 거듭할수록 형상은 소형화되고, 간략화·형식화가 진행되었다.
신석기 시대에 들어서자 인류는 토기 제작을 시작했고, 선 모양이 토기 표면에 그려지게 되었다. 이 시대에 동굴 회화에서 보이는 듯한 회화적 미술이 창출되었는지는 지금으로서는 불분명하지만, 제작 자체가 적었을 것이라고 추측된다. 또한, 토지 위에 건설되었을 목조 주거는 남아있지 않으며, 미술사적인 입장에서 이 시대의 건축 유물로는, 멘히르, 돌멘, 스톤헨지 등과 같은 종교적인 의미를 가지고 있었다고 생각되는 석조 구조물뿐이다.
후세, 20세기쯤에 원시 미술에 영향을 받아 원시주의로 이어진다.
2. 1. 원시 미술
구석기 시대 후기에 등장한 원시 미술은 동굴 회화, 암각화/Rock art영어, 소형 조각/Portable art영어, 짐승 뼈 등에 새겨진 선각화 등으로 나타난다. 실용품에서도 동물이나 물고기 뼈 등을 원재료로 한 기물이나 석기류 등에 동물이나 물고기, 나뭇잎 등을 사실적으로 모방한 문양이 남아있어, 미술의 싹을 엿볼 수 있다. 다만, 이것들이 원시 미술로 분류되고 그 지위가 확립된 것은 20세기에 들어서부터이다.오래된 것은 오리냐크 문화 시기에 만들어졌다고 하며, 프랑스의 쿠냐크 동굴/Grottes de Cougnac프랑스어에 그려진 염소 동굴 회화, 스페인의 라스 치메네아스 동굴/Cueva de Las Chimeneases에 그려진 사슴 동굴 회화 등이 알려져 있다. 동산 미술로는 브라스푸이에서 출토된 상아 조각 여성 두상상이 있다. 인간을 표현한 작품은 대부분 나체 여성으로, 자손 번식을 기원하는 종교적 의미가 담겨 있었다고 추측된다. 이 시대 미술적 특징으로는, 단순한 윤곽선에 의한 사실적인 표현이나 생식 기능을 강조한 표현이 꼽힌다.
솔뤼트레기[1]의 동굴 회화는 발견되지 않았지만, 마들렌기[2] 에 들어서면 동물의 체모에 따른 명암의 구분, 비만과 수척함을 표현하는 윤곽선을 사용한 표현력이 증가한 동굴 회화가 등장하게 되었다. 라스코 동굴과 알타미라 동굴의 벽화가 유명하다. 이러한 동굴 회화에서는 들소, 순록, 말, 매머드, 사슴 등 사냥 대상이 된 동물의 모티프가 주를 이루었다.
이러한 유물은 유럽 대륙을 거점으로 생활을 영위했던 수렵 채집 민족에 의해 제작된 것이며, 그들에게 중요하고 귀중한 것을 대상으로 조형적으로 재현했을 뿐이며, 후세의 미술이 획득해간 사회적 기능은 가지고 있지 않았을 것이라고, 혹은 누군가에게 보여주기 위해 그린 것은 아닐 것이라고 생각되고 있다.
중석기 시대에는 동스페인에서 흥기한 다양한 동물과 인간을 그린 암벽화 (레반트 미술)나 스칸디나비아 반도에서 러시아에 걸쳐 발달한 암벽 선각화 (극북 미술)가 등장했다. 초기의 것에는 사실적인 표현으로 실물에 가까운 크기를 가진 것도 보이지만, 시대를 거듭할수록 형상은 소형화되고, 간략화·형식화가 진행되었다.
신석기 시대에 들어서자 인류는 토기 제작을 시작했고, 선 모양이 토기 표면에 그려지게 되었다. 이 시대에 동굴 회화에서 보이는 듯한 회화적 미술이 창출되었는지는 지금으로서는 불분명하지만, 제작 자체가 적었을 것이라고 추측된다. 또한, 토지 위에 건설되었을 목조 주거는 남아있지 않으며, 미술사적인 입장에서 이 시대의 건축 유물로는, 멘히르, 돌멘, 스톤헨지 등과 같은 종교적인 의미를 가지고 있었다고 생각되는 석조 구조물뿐이다.
후세, 20세기쯤에 원시 미술에 영향을 받아 원시주의/Primitivism영어로 이어진다.
2. 2. 중석기 시대 미술
2. 3. 신석기 시대 미술
3. 고대
티그리스강과 유프라테스강 유역에서 발달한 메소포타미아 문명에서는 석재가 부족하여 벽돌 건축과 조각이 발달했다. 지구라트(성탑)는 각지에 건설되었으며, 이는 이집트 피라미드의 원형이 되었다.
메소포타미아 미술은 이집트 미술과 함께 서양 미술사의 시조라고 할 수 있다. 원시 농경 사회에서는 다양한 기형과 유머러스한 장식 모티프를 특징으로 하는 채문 토기가 출현했다. 사마라기나 할라프기의 채문 토기는 기존의 기하학적 문양에 더해 특징을 극단적으로 과장한 동물 문양이나 인물 문양 등이 더해져 사회의 확산과 다른 문화와의 교류를 보여준다.
기원전 4000년기에 들어서면서 수메르인들에 의해 신전을 중심으로 한 도시가 형성되기 시작했고, 상업의 활성화와 함께 그림 문자 등의 전달 수단이 등장했다. 우루크기의 중심적인 역할을 담당했던 에안나에서는 토편으로 벽면이나 기둥이 모자이크 장식된 신전이 등장했고, 대리석을 소재로 한 원조각 조각이 다수 제작되었다. 대리석이 가진 하얀 촉감과 부드러운 질감은 인간의 육감을 표현하는데 적합했으며, 소재로 대리석을 사용한다는 수단은 그리스 미술로 계승되었다.
젬데트 나스르기(Jemdet Nasr period)에는 예배자나 성직자를 형상화한 것으로 보이는 입상이 제작되기 시작했고, 동시에, 정치적 지도자의 출현으로 도시 국가로서의 발전이 보였다. 제작되는 미술품은 사실적인 표현이 크게 발달했고, 소재도 다양화되어 금, 은, 라피스 라줄리, 조개 등이 사용되었다. 또한, 서술적인 표현 기법도 보이며, 전쟁 등의 국가적인 사건도 작품 모티프로 도입되었다.
셈족의 침공으로 아카드 왕조가 수립되자, 자연주의적인 경향을 가진 작품이 제작되기 시작했고, 동시에, 권력자를 칭송하는 왕권 미술이라고도 형용할 수 있는 양식이 확립되었다. 아카드 왕조 멸망 후, 우루크에 의한 수메르 도시 국가의 통합이 이루어졌을 무렵에는 도시의 재건과 함께 지구라트가 각지에 건설되었고, 종교관의 발달과 함께 건축 분야의 미술이 크게 발달했다.
메소포타미아 북부의 아시리아에서는, 바빌로니아의 점령 지배에 의해 고유의 문화적 발전을 이루었고, 미술 작품에서도 다른 지역에 없는 독자성을 가지게 되었다. 투쿨티 니누르타 1세 시대에 들어서면서 원조각 조각이나 부조 조각 등이 다수 제작되기 시작했고, 약동감 있는 표현이 보이게 되었다. 아시리아의 미술은 페니키아 미술과 그리스 미술에 일정한 영향을 주었다고 생각된다. 아시리아 제국 멸망 후에 탄생한 신 바빌로니아 제국에서는 네부카드네자르 2세에 의해 도시 정비가 진전되었고, 이슈타르 문으로 대표되는 채색 렌가로 장식된 건조물이 등장했다.
그 후, 아케메네스 왕조에 의해 각지가 통치되자 메소포타미아, 이집트, 우라르투 등의 미술 양식을 통합한 아케메네스 왕조 미술(Achaemenid architecture)이 개화했다. 특히 공예 분야에서 그 특질은 현저하며, 금은 상감 등을 구사한 정교한 작품이 다수 제작되었다.
나일강 유역에서 발달한 이집트 문명은 비옥한 토지를 기반으로 크게 발전하여, 이집트 초기 왕조 시대에는 고대 이집트 미술의 원형이 탄생했다. 초기에는 메소포타미아 미술(en:Art of Mesopotamia)의 영향을 받은 것으로 보이며, 뱀왕의 비 등에 대표되는 부조 조각이나 원조 조각이 활발하게 제작되었다.
파라오의 신권적 권력이 확립된 고왕국 시대에는 피라미드가 기자 등에 건립되었다. 제세르 왕 시대에 재상 임호테프가 사카라에 건립한 계단 피라미드는 피라미드 양식의 시초로 여겨진다. 벽화에서는 메이둠의 거위(en:Nefermaat)처럼 동식물은 사실적이고 정교하게 표현되었지만, 인물은 형식적이고 개념적으로 표현되었다. 이는 이집트 특유의 신앙에서 비롯된 것으로, 죽은 자의 식량인 물고기나 새는 생생함이 중요했던 반면, 왕족에게 봉사하는 사람들은 영원불변해야 했기 때문이다.
중왕국 시대에는 아멘엠하트 3세 시대까지 거대한 건축물 대신 오시리스 기둥이나 하토르 기둥 등 독창적인 형식의 장례전이나 신전이 나타났다. 조각에서는 테베 양식이 출현하여 전통적인 멤피스 양식과 함께 두 흐름을 형성했다. 경제 침체로 인해 대형 석상 조각 대신 나무 소상이 제작되기도 했다.
신왕국 시대에는 왕권 강화와 함께 이집트 미술이 절정에 달해, 아문 대신전, 룩소르 신전 등 대형 건축 사업이 추진되었다. 특히 제18왕조 시대에는 호화로운 장식성과 색채주의가 더해져 궁정 미술의 새로운 경지가 열렸다.
아멘호테프 4세는 아마르나로 도읍을 옮기고 유일신 아톤 신앙에 몰두하여, 이 시대 미술은 자연주의적 경향을 띠며 아마르나 미술로 불린다. 리얼리즘 표현 기법이 신장되었고, 인간의 감정과 애정을 모티브로 한 구도, 과장된 표정이나 모습이 나타났다. 아마르나 미술은 투탕카멘 황금 가면 등 후대 이집트 미술에도 영향을 미쳤다.
이집트 미술은 3천 년 동안 거의 변하지 않고 일관성을 유지했다. 후기에는 침부조 등 고도로 발달된 기법이 탄생했지만, 말기 왕조 시대에는 왕국 쇠퇴와 함께 인습적인 모방에 그치고 타국 영향을 받아 독자성을 잃었다. 기원전 332년 알렉산드로스 3세의 이집트 정복으로 이집트 미술은 형해화되어 그리스 미술의 영향 속으로 사라졌다.
미노아 문명은 기원전 3000년의 오랜 옛날로부터 시작되어 기원전 2000년경에는 가치나 정도에 있어서, 이집트나 메소포타미아의 문명에 조금도 손색이 없는 고도의 문화를 전개하였다. 이 문명은 다른 먼 곳에서 이식된 것이 아니고 크레타섬에서 자생한 것이다. 크레타 문명은 중기 미노스 시대(기원전 2200∼1700년경)에 제1의 성기(盛期)에 달했다. 이 시대는 이집트의 중왕국 시대에 해당된다. 크노소스나 파이스토스가 세력을 확장하기 시작한 것은 이 시대이다. 계속되는 후기 미노스 시대의 제1기(기원전 1700∼1500) 내지 제2기(기원전 1500∼1400)에는 원숙한 황금시대를 맞는다.
크레타인은 대리석이나 청동의 큰 조상(彫像)은 만들지 않았다 하더라도 미술의 다른 분야에서 예술적 재능을 보여 준다. 벽화를 보면 그들이 특히 자연이나 동물에 대해서 친숙한 감정을 가지고 있음을 알 수 있다. 남자는 허리가 호리호리하고, 대체로 허리에 띠만을 두르고 있다. 여자는 꼭 끼는 옷을 입었고, 그 스커트에는 이따금 꼰 끈이나 레이스의 장식이 붙어 있다.
크레타인의 사치는 금·은·상아·보석을 재료로 한 정교한 제품에 반영되어 있다. 바피오에서 발견된 한쌍의 잔은 하나는 황소를 포획하는 것을 표현하고, 다른 하나에는 그 사육(飼育)의 목가적인 정경이 묘사되어 있다.
카스피해 북동방의 옛 땅에서 기원전 3000년 후반, 인도·유럽어족의 한 파가 발칸반도에 모습을 보인 것은 기원전 2000년 경으로 추정된다. 그들은 발칸반도를 남하하여, 약 800년에 걸쳐 그리스 본토로 들어왔다. 그 제1차가 그리스인의 한 그룹인 아카이아인이다. 아카이아인은 기원전 1850년경부터 그리스 본토로 남하하여 미노아 문명의 세계로 들어왔다. 처음에는 미노아 왕국의 세력하에 있었지만, 아카이아인에 의해 미노아 왕국과의 세력 관계가 역전되었고, 지중해 대지진이 미노아 문명의 괴멸에 박차를 가하였다. 기원전 1400년 경, 크노소스가 멸망되었다. 아카이아인이 에게해의 주인공이 되었고, 미노아 문명의 잔영 밑에, 이 아카이아인이 창조한 문명의 한 시기가 미케네 문명이다.
미케네적 특색은 건축에 나타나 있다. 미케네의 궁전은 크레타의 것과 같은 관이 아니고 언덕 위에 쌓아올린 거대한 성이다. 미케네나 티린스의 산성이 그 대표적인 예다. 성 입구에서 통로를 통해 궁전의 깊숙한 곳에 들어가면, 귀중품의 배치나 구조에 있어서 미케네인은 고유의 풍습을 지키고 있다. 가장 특색이 있는 것은, 앞뜰을 가진 메가론(megaron)을 채용한 것이다. 메가론은 그리스어로 '넓은 방'이란 뜻이며, 원시 그리스의 주거였다. '남자의 크고 넓은 방'의 평면도는, 안으로 깊이 들어가는 장방형으로서 현관 다음에 전실이 있고, 그 뒤에 커다란 주실이 있다. 주실 중앙에는 난로가 비치되어 있다.
미케네 궁전은 거주 건축의 근본 형식에 있어서는 그리스적인 특징을 나타내지만, 일반적으로 보면, 크레타 미술에서 강한 영향을 받았다. 특히 건축의 세부나 내부의 장비는 크레타 미술을 모방한 점이 많다. 무인다운 강건한 왕후들도 주거의 쾌적성을 즐기게 되었고, 거실이나 욕탕의 설비를 갖추고, 넓은 방을 벽화로 장식했다. 미케네 성의 실내는 크레타의 궁전을 닮았으며, 회화에 있어서 미케네의 요소와 크레타의 요소가 결합했다고 하겠다.
기원전 11세기 중반, 아테네의 케라메이코스에서 미케네 도기와는 다른 특징을 가진 도기가 출현했다. 흑선이나 수평대로 구분한 장식대에 물결선이나 동심원 문양을 배치한 구축적인 장식을 가진 이러한 양식은 원기하학 양식이라고 불리며, 미케네 미술과는 명확하게 구별되었다.
기원전 925년경이 되자 이러한 경향은 더욱 현저하게 나타나게 되었고, 기원전 8세기 전반에 등장한 디피론식 도기는 메안더 문양, 지그재그 문양, 톱니 문양, 마름모 문양 등을 복잡하게 조합한 장식이 배치되어 있다.
이러한 기하학적인 구상은 도기의 문양에만 국한되지 않고, 테라코타나 청동 소 조각 등에서도 마찬가지 경향을 보이며, 동물이나 인간 등 각 부위를 기하학적 형태로 바꾼 후 전체를 재구축하는 과정을 거쳐 제작되었으며, 유기적 형태의 분석에 의한 인식법이나, 부분 균형과 전체 조화에 의한 그리스 미술 고유의 조형 이념을 볼 수 있다. 이상과 같은 경위를 거쳐 그리스 미술은 확립에 이르렀지만, 요한 요아힘 빈켈만이 쓴 『고대 미술사』에 대표되는 것처럼, 그리스 미술이야말로 서양 미술의 시작이라고 하는 설도 존재한다.
이후, 이집트, 아시리아, 시리아의 동방에서 가져온 공예품을 통해, 그리스 미술에서의 장식 모티프의 표현 영역이 크게 확대되었고, Palmette영어, 로터스, 로제트 등의 식물 문양이나 스핑크스 등의 공상 동물이 사용되었다. 프로토-코린토스식 도기나 코린토스식 도기 등, 이러한 장식 모티프를 이용하여 제작된 작품은 그리스 미술 중에서도 특히 동방화 양식이라고 칭하고, 구별하고 있다.
기원전 11세기 중반, 아테네의 케라메이코스에서 미케네 도기와는 다른 특징을 가진 도기가 출현했다.
아르카익 시대에는 이집트 조각의 영향을 받아 대규모 조각이 제작되기 시작했다. 또한, 신전 건축 분야에서는 주주식 신전이 탄생했다.
페르시아 전쟁에서 승리함으로써 지중해 세계의 패권을 장악하게 된 아테네에서는 이상미를 추구하는 고전기 미술이 발전하였다. 파르테논 신전과 같은 건축물과 조각상이 제작되었다.
알렉산드로스 대왕의 동방 원정으로 그리스 문화와 오리엔트 문화가 융합된 헬레니즘 시대에는 격정적이고 동적인 표현이 나타났다.
로마인보다 앞서 이탈리아 반도에 최초로 독자적인 문화를 남긴 에트루리아인은, 기원전 8세기경부터 기원전 2세기까지 북쪽은 토스카나 지방부터 남쪽은 로마에 이르는 지중해 연안 지역을 중심으로 한 중부 이탈리아의 거의 전역을 지배한 민족이다. 기원전 7세기경부터 이탈리아 남부의 그리스 식민도시를 통하여 그리스 문화와의 접촉이 빈번하게 되고, 기원전 6세기 이래 강한 영향을 받았다. 에트루리아인이 항아리에 그린 그림이나 분묘의 벽화의 주제가 그리스적 요소를 다분히 보인다. 건축·조각·회화·공예 등의 조형 분야에서는 에트루리아인이 독자적 예술을 발전시켰으며 그들의 분묘 예술은 그 가장 현저한 증거이다.
에트루리아 건축을 가장 특징짓고 있는 것은 분묘이다. 그 형식은 시대에 따라 상당히 다르며, 정자형(井字型)·장방형·사각형·원형 등 각양각색이다. 가장 오래된 유적(遺蹟)은 빌라노바 문화와의 혼성기라고 하는, 기원전 10세기부터 기원전 9세기경까지 거슬러 올라갈 수가 있다. 그 형식은 우물형인데, 가운데에 뼈항아리를 놓는 감실이 만들어져 있다. 그 후 기원전 8세기에 와서 새로운 형식의 장방형 분묘가 만들어지고, 다시 기원전 7세기 말 이후에는 궁륭 천장을 가진 순연한 분묘 건축이 나타났다.
에트루리아인은 여러 가지의 형태를 한 분묘를 만들고 거기에 많은 일용품을 부장함과 함께, 분묘의 벽면을 아름답게 채색한 벽화로 장식했다. 타르퀴니아의 분묘군에는 벽화가 가장 많이 보이는데, 그 중에서도 가장 오랜된 벽화는 <황소의 묘(Tomb of the Bulls)>로서, 기원전 6세기 중엽의 것이다. 기원전 5세기가 되면 <남작의 묘(Tomb of the Baron)> <식탁의 묘(Tomb of the Triclinium)> 등에서는 색채가 부드러워져서, 구도에 조화와 통일이 있는 엄격한 화풍이 나타났다. <남작의 묘>의 기법은 일반적으로 쓰이고 있던 프레스코가 아닌 템페라를 사용하고 있었으며, 인물 사이에 나란히 선 수목이나 작은 새들의 묘사는 사실적이다. 이것들은 분명히 그리스 회화의 영향이지만, 자연과 인물의 환경 묘사는 그리스 회화에서 볼 수 없는 에트루리아 회화의 특징이다.
이탈리아 중부에 정착한 에트루리아인은 그리스 미술의 영향을 받으면서도, 독자적인 종교관과 사회 제도를 배경으로 독특한 미술 문화를 형성했다. 일반적으로 에트루리아 미술은 동방화 양식기, 아르카익기, 고전기(중간기), 헬레니즘기의 4가지로 분류된다. 하지만, 가장 번영을 누린 것은 기원전 6세기 초부터 기원전 5세기 전반에 걸친 아르카익기 130년이다.
도시나 건축의 유구는 적지만, 그리스 미술에서 빈번히 모티프로 사용된 신화를 그린 도기 등이 출토되고 있으며, 묘실 벽화에서는 장례 연회, 무용, 경기, 사냥 등 일상생활에 밀착된 모티프가 선호되어 에트루리아인 특유의 내세관을 유지하고 있었음을 알 수 있다. 기원전 7세기부터 징후가 나타난 이러한 징후는 헬레니즘기까지 지속되었다. 조각 분야도 유례가 적지만, 기원전 6세기 말에 활약한 울카/Vulca영어는 에트루리아인 조각가로 이름이 알려진 특기할 만한 인물로, 베이오에서 출토된 "아폴론" 등, 이오니아 조각의 영향을 강하게 받은 테라코타 상을 제작했다.
기원전 5세기 초 고전기에 돌입하면서 정치, 경제의 쇠퇴와 함께 미술적 활동도 신선함과 활력을 잃고, 양식적으로도 정체되었다. 하지만, 헬레니즘기에 들어서면서 내세관에 진전이 보이며, 반트/Vanth영어나 카룬/Charun영어과 같은 마신이 묘실 벽화의 모티프로 선택되는 경우가 많아졌다. 초상 조각에서는 사실성 넘치는 작품이 선호되어 제작되었다.
기원전 509년, 에트루리아에 종속되어 있던 도시 국가 중 하나였던 로마는 공화제를 수립하고, 주변 도시 국가를 정복하면서 기원전 4세기에는 에트루리아마저 그 지배 하에 두었다. 그 과정에서 에트루리아 미술의 영향은 점차 옅어졌지만, 독자적인 미술을 창출하기에는 이르지 못했다.
로마 미술은 북방의 에트루리아 미술과 이탈리아 반도 남부 그리스 식민도시 미술의 영향을 받아 발전했다. 로마는 에트루리아로부터 현실적이고 행동적인 요소를 계승하고 그리스 형식을 모방했다. 기원전 2세기 후반, 그리스 정복 후 수많은 그리스 조각이 로마로 유입되었고, 그리스 예술가들이 초빙되어 그리스 명작을 모방하며 로마인의 취향과 헬레니즘 시대의 자연주의적 경향에 맞게 변형되었다.
로마 미술의 특성은 건축에서 두드러지게 나타난다. 로마 건축은 기둥과 들보를 사용한 그리스 건축 구성과 에트루리아의 성문, 분묘에 사용된 아치형을 채택했다. 아치형 구조는 상부 중력을 균등하게 분산시켜 기둥 수를 줄이고 내부 공간을 넓힐 수 있게 했다. 벽돌과 돌가루로 만든 일종의 시멘트가 건축에 사용되어 콜로세움, 콘스탄티누스 개선문과 같은 거대한 건축물 건조를 가능하게 했다.
조각은 그리스의 영향을 크게 받았으며, 초상 조각에서 로마 조각의 독창성이 나타나는데, 이는 단순한 용모 모방이 아닌 성격 묘사의 교묘함에 있다.
로마 회화는 헬레니즘 회화의 수용으로 시작되었으며, 폼페이와 헤르쿨라네움 벽화를 통해 헬레니즘 및 로마 시대 회화를 파악할 수 있다. 
3. 1. 메소포타미아 미술
티그리스강과 유프라테스강 유역에서 발달한 메소포타미아 문명에서는 석재가 부족하여 벽돌 건축과 조각이 발달했다. 지구라트(성탑)는 각지에 건설되었으며, 이는 이집트 피라미드의 원형이 되었다.메소포타미아 미술은 이집트 미술과 함께 서양 미술사의 시조라고 할 수 있다. 원시 농경 사회에서는 다양한 기형과 유머러스한 장식 모티프를 특징으로 하는 채문 토기가 출현했다. 사마라기나 할라프기의 채문 토기는 기존의 기하학적 문양에 더해 특징을 극단적으로 과장한 동물 문양이나 인물 문양 등이 더해져 사회의 확산과 다른 문화와의 교류를 보여준다.
기원전 4000년기에 들어서면서 수메르인들에 의해 신전을 중심으로 한 도시가 형성되기 시작했고, 상업의 활성화와 함께 그림 문자 등의 전달 수단이 등장했다. 우루크기의 중심적인 역할을 담당했던 에안나에서는 토편으로 벽면이나 기둥이 모자이크 장식된 신전이 등장했고, 대리석을 소재로 한 원조각 조각이 다수 제작되었다. 대리석이 가진 하얀 촉감과 부드러운 질감은 인간의 육감을 표현하는데 적합했으며, 소재로 대리석을 사용한다는 수단은 그리스 미술로 계승되었다.
젬데트 나스르기(Jemdet Nasr period)에는 예배자나 성직자를 형상화한 것으로 보이는 입상이 제작되기 시작했고, 동시에, 정치적 지도자의 출현으로 도시 국가로서의 발전이 보였다. 제작되는 미술품은 사실적인 표현이 크게 발달했고, 소재도 다양화되어 금, 은, 라피스 라줄리, 조개 등이 사용되었다. 또한, 서술적인 표현 기법도 보이며, 전쟁 등의 국가적인 사건도 작품 모티프로 도입되었다.
셈족의 침공으로 아카드 왕조가 수립되자, 자연주의적인 경향을 가진 작품이 제작되기 시작했고, 동시에, 권력자를 칭송하는 왕권 미술이라고도 형용할 수 있는 양식이 확립되었다. 아카드 왕조 멸망 후, 우루크에 의한 수메르 도시 국가의 통합이 이루어졌을 무렵에는 도시의 재건과 함께 지구라트가 각지에 건설되었고, 종교관의 발달과 함께 건축 분야의 미술이 크게 발달했다.
메소포타미아 북부의 아시리아에서는, 바빌로니아의 점령 지배에 의해 고유의 문화적 발전을 이루었고, 미술 작품에서도 다른 지역에 없는 독자성을 가지게 되었다. 투쿨티 니누르타 1세 시대에 들어서면서 원조각 조각이나 부조 조각 등이 다수 제작되기 시작했고, 약동감 있는 표현이 보이게 되었다. 아시리아의 미술은 페니키아 미술과 그리스 미술에 일정한 영향을 주었다고 생각된다. 아시리아 제국 멸망 후에 탄생한 신 바빌로니아 제국에서는 네부카드네자르 2세에 의해 도시 정비가 진전되었고, 이슈타르 문으로 대표되는 채색 렌가로 장식된 건조물이 등장했다.
그 후, 아케메네스 왕조에 의해 각지가 통치되자 메소포타미아, 이집트, 우라르투 등의 미술 양식을 통합한 아케메네스 왕조 미술(Achaemenid architecture)이 개화했다. 특히 공예 분야에서 그 특질은 현저하며, 금은 상감 등을 구사한 정교한 작품이 다수 제작되었다.
3. 2. 이집트 미술
나일강 유역에서 발달한 이집트 문명은 비옥한 토지를 기반으로 크게 발전하여, 이집트 초기 왕조 시대에는 고대 이집트 미술의 원형이 탄생했다. 초기에는 메소포타미아 미술(en:Art of Mesopotamia)의 영향을 받은 것으로 보이며, 뱀왕의 비 등에 대표되는 부조 조각이나 원조 조각이 활발하게 제작되었다.파라오의 신권적 권력이 확립된 고왕국 시대에는 피라미드가 기자 등에 건립되었다. 제세르 왕 시대에 재상 임호테프가 사카라에 건립한 계단 피라미드는 피라미드 양식의 시초로 여겨진다. 벽화에서는 메이둠의 거위(en:Nefermaat)처럼 동식물은 사실적이고 정교하게 표현되었지만, 인물은 형식적이고 개념적으로 표현되었다. 이는 이집트 특유의 신앙에서 비롯된 것으로, 죽은 자의 식량인 물고기나 새는 생생함이 중요했던 반면, 왕족에게 봉사하는 사람들은 영원불변해야 했기 때문이다.
중왕국 시대에는 아멘엠하트 3세 시대까지 거대한 건축물 대신 오시리스 기둥이나 하토르 기둥 등 독창적인 형식의 장례전이나 신전이 나타났다. 조각에서는 테베 양식이 출현하여 전통적인 멤피스 양식과 함께 두 흐름을 형성했다. 경제 침체로 인해 대형 석상 조각 대신 나무 소상이 제작되기도 했다.
신왕국 시대에는 왕권 강화와 함께 이집트 미술이 절정에 달해, 아문 대신전, 룩소르 신전 등 대형 건축 사업이 추진되었다. 특히 제18왕조 시대에는 호화로운 장식성과 색채주의가 더해져 궁정 미술의 새로운 경지가 열렸다.
아멘호테프 4세는 아마르나로 도읍을 옮기고 유일신 아톤 신앙에 몰두하여, 이 시대 미술은 자연주의적 경향을 띠며 아마르나 미술로 불린다. 리얼리즘 표현 기법이 신장되었고, 인간의 감정과 애정을 모티브로 한 구도, 과장된 표정이나 모습이 나타났다. 아마르나 미술은 투탕카멘 황금 가면 등 후대 이집트 미술에도 영향을 미쳤다.
이집트 미술은 3천 년 동안 거의 변하지 않고 일관성을 유지했다. 후기에는 침부조 등 고도로 발달된 기법이 탄생했지만, 말기 왕조 시대에는 왕국 쇠퇴와 함께 인습적인 모방에 그치고 타국 영향을 받아 독자성을 잃었다. 기원전 332년 알렉산드로스 3세의 이집트 정복으로 이집트 미술은 형해화되어 그리스 미술의 영향 속으로 사라졌다.
3. 3. 에게 미술
미노아 문명은 기원전 3000년의 오랜 옛날로부터 시작되어 기원전 2000년경에는 가치나 정도에 있어서, 이집트나 메소포타미아의 문명에 조금도 손색이 없는 고도의 문화를 전개하였다. 이 문명은 다른 먼 곳에서 이식된 것이 아니고 크레타섬에서 자생한 것이다. 크레타 문명은 중기 미노스 시대(기원전 2200∼1700년경)에 제1의 성기(盛期)에 달했다. 이 시대는 이집트의 중왕국 시대에 해당된다. 크노소스나 파이스토스가 세력을 확장하기 시작한 것은 이 시대이다. 계속되는 후기 미노스 시대의 제1기(기원전 1700∼1500) 내지 제2기(기원전 1500∼1400)에는 원숙한 황금시대를 맞는다.
크레타인은 대리석이나 청동의 큰 조상(彫像)은 만들지 않았다 하더라도 미술의 다른 분야에서 예술적 재능을 보여 준다. 벽화를 보면 그들이 특히 자연이나 동물에 대해서 친숙한 감정을 가지고 있음을 알 수 있다. 남자는 허리가 호리호리하고, 대체로 허리에 띠만을 두르고 있다. 여자는 꼭 끼는 옷을 입었고, 그 스커트에는 이따금 꼰 끈이나 레이스의 장식이 붙어 있다.
크레타인의 사치는 금·은·상아·보석을 재료로 한 정교한 제품에 반영되어 있다. 바피오에서 발견된 한쌍의 잔은 하나는 황소를 포획하는 것을 표현하고, 다른 하나에는 그 사육(飼育)의 목가적인 정경이 묘사되어 있다.
카스피해 북동방의 옛 땅에서 기원전 3000년 후반, 인도·유럽어족의 한 파가 발칸반도에 모습을 보인 것은 기원전 2000년 경으로 추정된다. 그들은 발칸반도를 남하하여, 약 800년에 걸쳐 그리스 본토로 들어왔다. 그 제1차가 그리스인의 한 그룹인 아카이아인이다. 아카이아인은 기원전 1850년경부터 그리스 본토로 남하하여 미노아 문명의 세계로 들어왔다. 처음에는 미노아 왕국의 세력하에 있었지만, 아카이아인에 의해 미노아 왕국과의 세력 관계가 역전되었고, 지중해 대지진이 미노아 문명의 괴멸에 박차를 가하였다. 기원전 1400년 경, 크노소스가 멸망되었다. 아카이아인이 에게해의 주인공이 되었고, 미노아 문명의 잔영 밑에, 이 아카이아인이 창조한 문명의 한 시기가 미케네 문명이다.
미케네적 특색은 건축에 나타나 있다. 미케네의 궁전은 크레타의 것과 같은 관이 아니고 언덕 위에 쌓아올린 거대한 성이다. 미케네나 티린스의 산성이 그 대표적인 예다. 성 입구에서 통로를 통해 궁전의 깊숙한 곳에 들어가면, 귀중품의 배치나 구조에 있어서 미케네인은 고유의 풍습을 지키고 있다. 가장 특색이 있는 것은, 앞뜰을 가진 메가론(megaron)을 채용한 것이다. 메가론은 그리스어로 '넓은 방'이란 뜻이며, 원시 그리스의 주거였다. '남자의 크고 넓은 방'의 평면도는, 안으로 깊이 들어가는 장방형으로서 현관 다음에 전실이 있고, 그 뒤에 커다란 주실이 있다. 주실 중앙에는 난로가 비치되어 있다.
미케네 궁전은 거주 건축의 근본 형식에 있어서는 그리스적인 특징을 나타내지만, 일반적으로 보면, 크레타 미술에서 강한 영향을 받았다. 특히 건축의 세부나 내부의 장비는 크레타 미술을 모방한 점이 많다. 무인다운 강건한 왕후들도 주거의 쾌적성을 즐기게 되었고, 거실이나 욕탕의 설비를 갖추고, 넓은 방을 벽화로 장식했다. 미케네 성의 실내는 크레타의 궁전을 닮았으며, 회화에 있어서 미케네의 요소와 크레타의 요소가 결합했다고 하겠다.
3. 3. 1. 미노아 문명
미노아 문명은 기원전 3000년의 오랜 옛날로부터 시작되어 기원전 2000년경에는 가치나 정도에 있어서, 이집트나 메소포타미아의 문명에 조금도 손색이 없는 고도의 문화를 전개하였다. 이 문명은 다른 먼 곳에서 이식된 것이 아니고 크레타섬에서 자생한 것이다. 크레타 문명은 중기 미노스 시대(기원전 2200∼1700년경)에 제1의 성기(盛期)에 달했다. 이 시대는 이집트의 중왕국 시대에 해당된다. 크노소스나 파이스토스가 세력을 확장하기 시작한 것은 이 시대이다. 계속되는 후기 미노스 시대의 제1기(기원전 1700∼1500) 내지 제2기(기원전 1500∼1400)에는 원숙한 황금시대를 맞는다.
크레타인은 대리석이나 청동의 큰 조상(彫像)은 만들지 않았다 하더라도 미술의 다른 분야에서 예술적 재능을 보여 준다. 벽화를 보면 그들이 특히 자연이나 동물에 대해서 친숙한 감정을 가지고 있음을 알 수 있다. 남자는 허리가 호리호리하고, 대체로 허리에 띠만을 두르고 있다. 여자는 꼭 끼는 옷을 입었고, 그 스커트에는 이따금 꼰 끈이나 레이스의 장식이 붙어 있다.
크레타인의 사치는 금·은·상아·보석을 재료로 한 정교한 제품에 반영되어 있다. 바피오에서 발견된 한쌍의 잔은 하나는 황소를 포획하는 것을 표현하고, 다른 하나에는 그 사육(飼育)의 목가적인 정경이 묘사되어 있다.
3. 3. 2. 미케네 문명
카스피해 북동방의 옛 땅에서 기원전 3000년 후반, 인도·유럽어족의 한 파가 발칸반도에 모습을 보인 것은 기원전 2000년 경으로 추정된다. 그들은 발칸반도를 남하하여, 약 800년에 걸쳐 그리스 본토로 들어왔다. 그 제1차가 그리스인의 한 그룹인 아카이아인이다. 아카이아인은 기원전 1850년경부터 그리스 본토로 남하하여 미노아 문명의 세계로 들어왔다. 처음에는 미노아 왕국의 세력하에 있었지만, 아카이아인에 의해 미노아 왕국과의 세력 관계가 역전되었고, 지중해 대지진이 미노아 문명의 괴멸에 박차를 가하였다. 기원전 1400년 경, 크노소스가 멸망되었다. 아카이아인이 에게해의 주인공이 되었고, 미노아 문명의 잔영 밑에, 이 아카이아인이 창조한 문명의 한 시기가 미케네 문명이다.
미케네적 특색은 건축에 나타나 있다. 미케네의 궁전은 크레타의 것과 같은 관이 아니고 언덕 위에 쌓아올린 거대한 성이다. 미케네나 티린스의 산성이 그 대표적인 예다. 성 입구에서 통로를 통해 궁전의 깊숙한 곳에 들어가면, 귀중품의 배치나 구조에 있어서 미케네인은 고유의 풍습을 지키고 있다. 가장 특색이 있는 것은, 앞뜰을 가진 메가론(megaron)을 채용한 것이다. 메가론은 그리스어로 '넓은 방'이란 뜻이며, 원시 그리스의 주거였다. '남자의 크고 넓은 방'의 평면도는, 안으로 깊이 들어가는 장방형으로서 현관 다음에 전실이 있고, 그 뒤에 커다란 주실이 있다. 주실 중앙에는 난로가 비치되어 있다.
미케네 궁전은 거주 건축의 근본 형식에 있어서는 그리스적인 특징을 나타내지만, 일반적으로 보면, 크레타 미술에서 강한 영향을 받았다. 특히 건축의 세부나 내부의 장비는 크레타 미술을 모방한 점이 많다. 무인다운 강건한 왕후들도 주거의 쾌적성을 즐기게 되었고, 거실이나 욕탕의 설비를 갖추고, 넓은 방을 벽화로 장식했다. 미케네 성의 실내는 크레타의 궁전을 닮았으며, 회화에 있어서 미케네의 요소와 크레타의 요소가 결합했다고 하겠다.
3. 4. 그리스 미술
기원전 11세기 중반, 아테네의 케라메이코스에서 미케네 도기와는 다른 특징을 가진 도기가 출현했다. 흑선이나 수평대로 구분한 장식대에 물결선이나 동심원 문양을 배치한 구축적인 장식을 가진 이러한 양식은 원기하학 양식이라고 불리며, 미케네 미술과는 명확하게 구별되었다.기원전 925년경이 되자 이러한 경향은 더욱 현저하게 나타나게 되었고, 기원전 8세기 전반에 등장한 디피론식 도기는 메안더 문양, 지그재그 문양, 톱니 문양, 마름모 문양 등을 복잡하게 조합한 장식이 배치되어 있다.
이러한 기하학적인 구상은 도기의 문양에만 국한되지 않고, 테라코타나 청동 소 조각 등에서도 마찬가지 경향을 보이며, 동물이나 인간 등 각 부위를 기하학적 형태로 바꾼 후 전체를 재구축하는 과정을 거쳐 제작되었으며, 유기적 형태의 분석에 의한 인식법이나, 부분 균형과 전체 조화에 의한 그리스 미술 고유의 조형 이념을 볼 수 있다. 이상과 같은 경위를 거쳐 그리스 미술은 확립에 이르렀지만, 요한 요아힘 빈켈만이 쓴 『고대 미술사』에 대표되는 것처럼, 그리스 미술이야말로 서양 미술의 시작이라고 하는 설도 존재한다.
이후, 이집트, 아시리아, 시리아의 동방에서 가져온 공예품을 통해, 그리스 미술에서의 장식 모티프의 표현 영역이 크게 확대되었고, Palmette영어, 로터스, 로제트 등의 식물 문양이나 스핑크스 등의 공상 동물이 사용되었다. 프로토-코린토스식 도기나 코린토스식 도기 등, 이러한 장식 모티프를 이용하여 제작된 작품은 그리스 미술 중에서도 특히 동방화 양식이라고 칭하고, 구별하고 있다.
3. 4. 1. 기하학 양식 시대
기원전 11세기 중반, 아테네의 케라메이코스에서 미케네 도기와는 다른 특징을 가진 도기가 출현했다.3. 4. 2. 아르카익 시대
아르카익 시대에는 이집트 조각의 영향을 받아 대규모 조각이 제작되기 시작했다. 또한, 신전 건축 분야에서는 주주식 신전이 탄생했다.3. 4. 3. 고전 시대
페르시아 전쟁에서 승리함으로써 지중해 세계의 패권을 장악하게 된 아테네에서는 이상미를 추구하는 고전기 미술이 발전하였다. 파르테논 신전과 같은 건축물과 조각상이 제작되었다.3. 4. 4. 헬레니즘 시대
알렉산드로스 대왕의 동방 원정으로 그리스 문화와 오리엔트 문화가 융합된 헬레니즘 시대에는 격정적이고 동적인 표현이 나타났다.3. 5. 에트루리아 미술
로마인보다 앞서 이탈리아 반도에 최초로 독자적인 문화를 남긴 에트루리아인은, 기원전 8세기경부터 기원전 2세기까지 북쪽은 토스카나 지방부터 남쪽은 로마에 이르는 지중해 연안 지역을 중심으로 한 중부 이탈리아의 거의 전역을 지배한 민족이다. 기원전 7세기경부터 이탈리아 남부의 그리스 식민도시를 통하여 그리스 문화와의 접촉이 빈번하게 되고, 기원전 6세기 이래 강한 영향을 받았다. 에트루리아인이 항아리에 그린 그림이나 분묘의 벽화의 주제가 그리스적 요소를 다분히 보인다. 건축·조각·회화·공예 등의 조형 분야에서는 에트루리아인이 독자적 예술을 발전시켰으며 그들의 분묘 예술은 그 가장 현저한 증거이다.에트루리아 건축을 가장 특징짓고 있는 것은 분묘이다. 그 형식은 시대에 따라 상당히 다르며, 정자형(井字型)·장방형·사각형·원형 등 각양각색이다. 가장 오래된 유적(遺蹟)은 빌라노바 문화와의 혼성기라고 하는, 기원전 10세기부터 기원전 9세기경까지 거슬러 올라갈 수가 있다. 그 형식은 우물형인데, 가운데에 뼈항아리를 놓는 감실이 만들어져 있다. 그 후 기원전 8세기에 와서 새로운 형식의 장방형 분묘가 만들어지고, 다시 기원전 7세기 말 이후에는 궁륭 천장을 가진 순연한 분묘 건축이 나타났다.
에트루리아인은 여러 가지의 형태를 한 분묘를 만들고 거기에 많은 일용품을 부장함과 함께, 분묘의 벽면을 아름답게 채색한 벽화로 장식했다. 타르퀴니아의 분묘군에는 벽화가 가장 많이 보이는데, 그 중에서도 가장 오랜된 벽화는 <황소의 묘(Tomb of the Bulls)>로서, 기원전 6세기 중엽의 것이다. 기원전 5세기가 되면 <남작의 묘(Tomb of the Baron)> <식탁의 묘(Tomb of the Triclinium)> 등에서는 색채가 부드러워져서, 구도에 조화와 통일이 있는 엄격한 화풍이 나타났다. <남작의 묘>의 기법은 일반적으로 쓰이고 있던 프레스코가 아닌 템페라를 사용하고 있었으며, 인물 사이에 나란히 선 수목이나 작은 새들의 묘사는 사실적이다. 이것들은 분명히 그리스 회화의 영향이지만, 자연과 인물의 환경 묘사는 그리스 회화에서 볼 수 없는 에트루리아 회화의 특징이다.
이탈리아 중부에 정착한 에트루리아인은 그리스 미술의 영향을 받으면서도, 독자적인 종교관과 사회 제도를 배경으로 독특한 미술 문화를 형성했다. 일반적으로 에트루리아 미술은 동방화 양식기, 아르카익기, 고전기(중간기), 헬레니즘기의 4가지로 분류된다. 하지만, 가장 번영을 누린 것은 기원전 6세기 초부터 기원전 5세기 전반에 걸친 아르카익기 130년이다.
도시나 건축의 유구는 적지만, 그리스 미술에서 빈번히 모티프로 사용된 신화를 그린 도기 등이 출토되고 있으며, 묘실 벽화에서는 장례 연회, 무용, 경기, 사냥 등 일상생활에 밀착된 모티프가 선호되어 에트루리아인 특유의 내세관을 유지하고 있었음을 알 수 있다. 기원전 7세기부터 징후가 나타난 이러한 징후는 헬레니즘기까지 지속되었다. 조각 분야도 유례가 적지만, 기원전 6세기 말에 활약한 울카/Vulca영어는 에트루리아인 조각가로 이름이 알려진 특기할 만한 인물로, 베이오에서 출토된 "아폴론" 등, 이오니아 조각의 영향을 강하게 받은 테라코타 상을 제작했다.
기원전 5세기 초 고전기에 돌입하면서 정치, 경제의 쇠퇴와 함께 미술적 활동도 신선함과 활력을 잃고, 양식적으로도 정체되었다. 하지만, 헬레니즘기에 들어서면서 내세관에 진전이 보이며, 반트/Vanth영어나 카룬/Charun영어과 같은 마신이 묘실 벽화의 모티프로 선택되는 경우가 많아졌다. 초상 조각에서는 사실성 넘치는 작품이 선호되어 제작되었다.
기원전 509년, 에트루리아에 종속되어 있던 도시 국가 중 하나였던 로마는 공화제를 수립하고, 주변 도시 국가를 정복하면서 기원전 4세기에는 에트루리아마저 그 지배 하에 두었다. 그 과정에서 에트루리아 미술의 영향은 점차 옅어졌지만, 독자적인 미술을 창출하기에는 이르지 못했다.
3. 6. 로마 미술
로마 미술은 북방의 에트루리아 미술과 이탈리아 반도 남부 그리스 식민도시 미술의 영향을 받아 발전했다. 로마는 에트루리아로부터 현실적이고 행동적인 요소를 계승하고 그리스 형식을 모방했다. 기원전 2세기 후반, 그리스 정복 후 수많은 그리스 조각이 로마로 유입되었고, 그리스 예술가들이 초빙되어 그리스 명작을 모방하며 로마인의 취향과 헬레니즘 시대의 자연주의적 경향에 맞게 변형되었다.로마 미술의 특성은 건축에서 두드러지게 나타난다. 로마 건축은 기둥과 들보를 사용한 그리스 건축 구성과 에트루리아의 성문, 분묘에 사용된 아치형을 채택했다. 아치형 구조는 상부 중력을 균등하게 분산시켜 기둥 수를 줄이고 내부 공간을 넓힐 수 있게 했다. 벽돌과 돌가루로 만든 일종의 시멘트가 건축에 사용되어 콜로세움, 콘스탄티누스 개선문과 같은 거대한 건축물 건조를 가능하게 했다.
|thumb|190px|막센티우스 황제에게 승리한 것을 기념하여 건조된 콘스탄티누스 개선문。]]
조각은 그리스의 영향을 크게 받았으며, 초상 조각에서 로마 조각의 독창성이 나타나는데, 이는 단순한 용모 모방이 아닌 성격 묘사의 교묘함에 있다.
로마 회화는 헬레니즘 회화의 수용으로 시작되었으며, 폼페이와 헤르쿨라네움 벽화를 통해 헬레니즘 및 로마 시대 회화를 파악할 수 있다. 프레스코와 모자이크를 통해 나타난 화풍은 감각적, 신비적, 산문적인 주제를 사실적 기법으로 표현하여 헬레니즘 시대 정신을 반영한다.
4. 중세
중세 서양미술은 기독교의 영향을 받아 종교적인 주제를 다룬 미술이 주를 이루었다.
2세기 말부터 3세기 초, 지중해 연안 각지에서 로마 미술의 영향을 받은 기독교 미술이 탄생했다. 313년 밀라노 칙령 공포 이전까지 기독교 탄압이 반복되었으나, 카타콤베 벽화나 석관 조각 등 장례 미술에서 그 특징을 엿볼 수 있다. 초기 벽화는 십자가, 물고기, 착한 양치기 등 상징적이고 우의적인 표현이 나타났다. 이후 교리가 정비되면서 신약 성경과 구약 성경 속 이야기가 모티프로 선택되었다.
380년 테오도시우스 1세에 의해 기독교가 국교로 정해지면서, 대규모 교회당 건축이 이루어졌다. 건축 양식은 로마 미술의 바실리카 양식과 헬레니즘 미술의 영향을 받은 집중식으로 나뉘며, 벽돌로 된 소박한 외관과 모자이크 장식을 사용한 호화로운 내관이 특징이다. 대표적인 바실리카 양식 교회당으로는 로마의 산타 마리아 마조레 대성당이, 집중식 교회당으로는 라벤나의 갈라 플라키디아 영묘가 있다. 5세기에는 로마 미술의 고전적 양식에서 벗어나 동방적인 장엄 미술로 변화했다.
비잔틴 미술은 고대 로마가 동서로 분열된 후 콘스탄티노플을 중심으로 급속히 발달하였다. 콘스탄티누스 대제가 기독교 용인령을 공포하면서 비잔틴 미술은 궁정의 지지를 받는 기독교 미술로서 장대함과 호화로움을 특징으로 하였다. 동로마 제국은 유대교 신앙 지역, 헬레니즘 문명의 중심지, 사산 왕조 페르시아 등과 밀접한 관계를 맺고 있었으며, 이러한 이질 문명이 동로마 제국의 전사(前史)를 이룬 로마적 지중해 문명과 융합하여 동방적 요소와 라틴적 요소를 가미하면서 헬레니즘 전통 위에 새로운 국면을 더한 형태로 전개되었다.
유스티니아누스 황제 시대(6세기)에 최초의 전성기를 맞이하여 다양한 문화 유산을 남겼으나, 유스티니아누스 1세의 제1차 황금 시대라고 불리는 시기에 건축된 하기아 소피아 대성당은 이전의 바실리카 양식과 중앙 집중식 건축 양식을 통합하여 새로운 건축 유형을 확립했다. 8~9세기에는 성상 숭배 논쟁과 사라센인의 침입으로 문화적 혼란을 겪었다. 9세기 후반 마케도니아 왕조는 그 판도를 계속 확장하여, 11세기에는 이탈리아 남부에서 슬라브 제국에까지 이르는 대제국이 되었으며, 이 시기에 시작된 미술계의 영화를 비잔틴 미술의 제2차 황금 시대라고 부른다.
헬레니즘 시대의 고전적인 전통 미술이 영향력을 강화하여, 교회당 건축도 오시오스 루카스 수도원 등에 대표되는, 중앙 집중식을 기반으로 한 모습으로 돌아갔다. 마케도니아 왕조의 멸망과 함께 콤네노스 왕조가 일어나 화려한 궁정 미술과 인문주의적인 전통 미술이 융합된 독특한 미술이 꽃피었다. 13세기 전반에는 십자군의 약탈과 점령 등으로 인해 다시 정체기에 접어들었지만, 팔레올로고스 왕조 시대에 들어서면서 코라 수도원에 대표되는 실용적이고 섬세하며 우아한 양식이 꽃피었다. 11세기 중엽 이후, 서방의 제국 거점 도시를 통해 비잔틴 미술은 서양 미술에 큰 영향을 계속 미쳤으며, 비잔틴 미술은 15세기까지 오랜 기간 동안 큰 변동 없이 일관성을 유지했으며, 그 특징은 장엄한 양식 속에 흩뿌려진 화려한 장식성과 정신성 및 신비성을 추구하는 지적인 경향이 있다.
서로마 제국 멸망 후, 게르만족의 국가가 잇따라 탄생했다. 갈리아 지방에서도 게르만 민족에 의해 부르군트 왕국이 성립되었으나, 5세기 후반에 클로비스 1세가 이끄는 프랑크 왕국에 의해 멸망했다. 클로비스 1세는 수도를 수아송으로 옮기고, 로마 문화를 적극적으로 받아들여 로마 제국의 계승자로서 메로빙거 왕조를 일으켰다.
카롤링거 왕조 시대에 들어서 샤를마뉴의 손에 의해 학문과 예술의 장려가 시작되었고, 미술사적 관점에서 큰 도약을 이루었다. 특히 조각 분야에서는, 북 이탈리아를 중심으로 발달한 꼬임 문양을 상징적으로 사용한 부조가 각지로 전파되어, 이후 로마네스크 미술의 기초를 닦았다. 필사본 장식 분야에서는 메로빙거 왕조 시대에 일시적으로 쇠퇴했던 고전적인 인물 표현이 부활하여, 장식 모티프로 적극 사용되었다. 그 후, 오토 1세에 의해 신성 로마 제국이 건국되면서, 서유럽 문화의 주도권을 장악하고, 문화적 경향의 방향성을 확고히 했다.
로마네스크 미술은 10세기부터 12세기(지역에 따라서는 13세기 전반)경까지를 지칭하며, 11세기에서 12세기 초에 걸쳐 전성기를 이루었다. 광대한 프랑크 제국이 분열되고, 노르만인, 사라센인 등의 거듭된 침입으로 서유럽에 혼란이 계속되는 동안 각지의 봉건 제후는 세력을 넓혔고, 중앙집권제는 붕괴되었다. 미술활동도 궁정 중심의 전유럽적인 것을 상실하고, 각지에서 부흥한 수도원을 중심으로 창조되는 것으로 성격이 바뀌었다. 로마네스크란 원래 건축사상의 용어로, 두꺼운 석조 벽체, 아치, 돔을 가진 건축에 끼친 고대 로마의 영향을 크게 받아 붙여진 이름이다. 그러나 이후 개념의 변화가 생겨 고대 로마의 전통, 에스파냐를 거쳐 전해진 사라센 양식, 수도원 상호 간의 교류, 십자군, 성지 순례 등을 통하여 전래된 동방 여러 지역의 양식, 카롤링거 양식, 비잔틴 양식 등이 상호 영향을 주고받으며 생겨난 중세 중기의 양식을 가리키게 되었다.
건축 분야에서 로마네스크 미술의 특징은 중후한 석벽과 어두운 내부 공간에 나타나 있으며, 고대 바실리카식 건축을 기본으로 하면서도, 동서 방향의 축을 가진 건조물이 증가했다. 이것은 성지 순례를 하는 참배객의 동선을 배려한 결과 발전한 형태이다. 이러한 형태를 유지하는 교회당을 순례로 성당이라고 부르며, 툴루즈의 생 세르냉 대성당(en) 등이 대표적인 건조물로 꼽힌다.
12세기 중반 프랑스에서 시작된 고딕 미술은 로마네스크 미술의 연장선상에 위치하며, 뾰족 아치와 스테인드글라스를 사용한 고딕 건축이 발달하면서 함께 발전하였다. 쉬제르에 의해 이루어진 1144년 생 드니 대성당 개축은 고딕 건축의 선구로 평가받으며, '빛'의 중요성을 강조하며 뾰족 아치를 사용한 늑골 교차 궁륭과 스테인드글라스를 끼운 큰 창을 조직적으로 활용하여 새로운 건축 의장을 창출했다. 이러한 움직임은 프랑스 주변 도시로 전파되었고, 영국의 캔터베리 대성당 등 국외에서도 고딕 건축 양식을 도입한 사례가 등장하였다.
로마네스크 건축에서 두껍고 넓은 벽면이 제거되고 크고 높은 들창의 형성이 가능해지자 스테인드 글라스가 발달하였다. 샤르트르 대성당에는 150개에 가까운 크고 작은 창이 모두 스테인드글라스로 장식되어 대표적인 예시로 꼽힌다.
14세기에는 교회의 분열과 흑사병의 대유행, 백년 전쟁의 영향으로 대규모 건축 조영이 이루어지지 않게 되었다. 회화는 14세기 후반부터 예술에서 주도적인 입지로 승화되었으며, 국제 고딕 양식이라고 불리는 피사넬로는 국제 고딕 양식의 대표적인 화가이며, 『에스테 가문의 영애 초상』 등 환상적인 작품을 제작하고 있다.
이탈리아에서는 비잔틴 미술의 영향이 강하게 남아 있어 고딕 미술의 침투가 늦어졌지만, 조토 디 본도네 와 시모네 마르티니와 같은 화가들에 의해 단계적으로 이루어져 후세의 르네상스의 초석이 다져졌다.
4. 1. 초기 기독교 미술
2세기 말부터 3세기 초, 지중해 연안 각지에서 로마 미술의 영향을 받은 기독교 미술이 탄생했다. 313년 밀라노 칙령 공포 이전까지 기독교 탄압이 반복되었으나, 카타콤베 벽화나 석관 조각 등 장례 미술에서 그 특징을 엿볼 수 있다. 기독교에서는 우상 숭배가 금지되었기에, 초기 벽화는 이교 미술에서 차용한 모티프와 함께 십자가, 물고기, 착한 양치기 등 상징적이고 우의적인 표현이 나타났다. 이후 교리가 정비되면서 신약 성경과 구약 성경 속 이야기가 모티프로 선택되었다.380년 테오도시우스 1세에 의해 기독교가 국교로 정해지면서, 콘스탄티노폴리스, 로마, 안티오키아 등 각지에서 대규모 교회당 건축이 이루어졌다. 건축 양식은 로마 미술의 바실리카 양식과 헬레니즘 미술의 영향을 받은 집중식으로 나뉘며, 벽돌로 된 소박한 외관과 모자이크 장식을 사용한 호화로운 내관이 특징이다. 대표적인 바실리카 양식 교회당으로는 로마의 산타 마리아 마조레 대성당이, 집중식 교회당으로는 라벤나의 갈라 플라키디아 영묘가 있다. 5세기에는 로마 미술의 고전적 양식에서 벗어나 동방적인 장엄 미술로 변화했다.
4. 2. 비잔틴 미술
비잔틴 미술은 고대 로마가 동서로 분열된 후 콘스탄티노플을 중심으로 급속히 발달하였다. 콘스탄티누스 대제가 기독교 용인령을 공포하면서 비잔틴 미술은 궁정의 지지를 받는 기독교 미술로서 장대함과 호화로움을 특징으로 하였다. 지리적으로 동로마 제국은 유대교 신앙 지역, 헬레니즘 문명의 중심지, 사산 왕조 페르시아 등과 밀접한 관계를 맺고 있었으며, 이러한 이질 문명이 동로마 제국의 전사(前史)를 이룬 로마적 지중해 문명과 융합하여 동방적 요소와 라틴적 요소를 가미하면서 헬레니즘 전통 위에 새로운 국면을 더한 형태로 전개되었다.
유스티니아누스 황제 시대(6세기)에 최초의 전성기를 맞이하여 다양한 문화 유산을 남겼으나, 유스티니아누스 1세의 제1차 황금 시대라고 불리는 시기에 건축된 하기아 소피아 대성당은 이전의 바실리카 양식과 중앙 집중식 건축 양식을 통합하여 새로운 건축 유형을 확립했다. 8~9세기에는 성상 숭배 논쟁과 사라센인의 침입으로 문화적 혼란을 겪었다. 9세기 후반 마케도니아 왕조는 그 판도를 계속 확장하여, 11세기에는 이탈리아 남부에서 슬라브 제국에까지 이르는 대제국이 되었으며, 이 시기에 시작된 미술계의 영화를 비잔틴 미술의 제2차 황금 시대라고 부른다.
헬레니즘 시대의 고전적인 전통 미술이 영향력을 강화하여, 교회당 건축도 오시오스 루카스 수도원 등에 대표되는, 중앙 집중식을 기반으로 한 모습으로 돌아갔다. 마케도니아 왕조의 멸망과 함께 콤네노스 왕조가 일어나 화려한 궁정 미술과 인문주의적인 전통 미술이 융합된 독특한 미술이 꽃피었다. 13세기 전반에는 십자군의 약탈과 점령 등으로 인해 다시 정체기에 접어들었지만, 팔레올로고스 왕조 시대에 들어서면서 코라 수도원에 대표되는 실용적이고 섬세하며 우아한 양식이 꽃피었다. 11세기 중엽 이후, 서방의 제국 거점 도시를 통해 비잔틴 미술은 서양 미술에 큰 영향을 계속 미쳤으며, 비잔틴 미술은 15세기까지 오랜 기간 동안 큰 변동 없이 일관성을 유지했으며, 그 특징은 장엄한 양식 속에 흩뿌려진 화려한 장식성과 정신성 및 신비성을 추구하는 지적인 경향이 있다.
4. 3. 초기 중세 미술
서로마 제국 멸망 후, 게르만족의 국가가 잇따라 탄생했다. 갈리아 지방에서도 게르만 민족에 의해 부르군트 왕국이 성립되었으나, 5세기 후반에 클로비스 1세가 이끄는 프랑크 왕국에 의해 멸망했다. 클로비스 1세는 수도를 수아송으로 옮기고, 로마 문화를 적극적으로 받아들여 로마 제국의 계승자로서 메로빙거 왕조를 일으켰다. 이러한 경위로 육성된 메로빙거 왕조의 미술은 공예품 분야에서 뛰어난 기술을 보여주었으며, 게르만 민족 특유의 화려한 장식과 갈리아 토착의 전통이 융합된 독특한 양식을 나타냈다. 또한, 근동의 수도원 제도가 이탈리아나 아일랜드를 거쳐 전해지면서 크고 작은 다양한 수도원이 건립되었다. 필사본 장식 분야에서는 메로빙거 왕조 특유의 메로빙거체 서체와 메로빙거 채식의 "조어문"이 다용됨과 동시에, 꽃이나 새를 기하학적으로 조합한 문양 등도 확인되며, 고대의 자연주의적 표현 양식과는 다른 작품들이 제작되었다. 7세기에는 켈스의 서로 대표되는, 색슨, 오리엔트, 콥트의 영향을 받은 복잡한 장식이 이루어지게 되었다.카롤링거 왕조 시대에 들어서 샤를마뉴의 손에 의해 학문과 예술의 장려가 시작되었고, 미술사적 관점에서 큰 도약을 이루었다. 특히 조각 분야에서는, 북 이탈리아를 중심으로 발달한 꼬임 문양을 상징적으로 사용한 부조가 각지로 전파되어, 이후 로마네스크 미술의 기초를 닦았다. 필사본 장식 분야에서는 메로빙거 왕조 시대에 일시적으로 쇠퇴했던 고전적인 인물 표현이 부활하여, 장식 모티프로 적극 사용되었다. 그 후, 오토 1세에 의해 신성 로마 제국이 건국되면서, 서유럽 문화의 주도권을 장악하고, 문화적 경향의 방향성을 확고히 했다.
4. 3. 1. 메로빙거 왕조 미술
프랑크 왕국의 메로빙거 왕조에서는 공예품과 필사본 장식에서 독특한 양식이 나타났다.4. 3. 2. 카롤링거 왕조 미술
샤를마뉴의 학문과 예술 장려 정책으로 고전 문화가 부흥하였다. 특히 조각과 필사본 장식에서 큰 발전이 있었다.4. 4. 로마네스크 미술
로마네스크 미술은 10세기부터 12세기(지역에 따라서는 13세기 전반)경까지를 지칭하며, 11세기에서 12세기 초에 걸쳐 전성기를 이루었다. 광대한 프랑크 제국이 분열되고, 노르만인, 사라센인 등의 거듭된 침입으로 서유럽에 혼란이 계속되는 동안 각지의 봉건 제후는 세력을 넓혔고, 중앙집권제는 붕괴되었다. 미술활동도 궁정 중심의 전유럽적인 것을 상실하고, 각지에서 부흥한 수도원을 중심으로 창조되는 것으로 성격이 바뀌었다. 로마네스크란 원래 건축사상의 용어로, 두꺼운 석조 벽체, 아치, 돔을 가진 건축에 끼친 고대 로마의 영향을 크게 받아 붙여진 이름이다. 그러나 이후 개념의 변화가 생겨 고대 로마의 전통, 에스파냐를 거쳐 전해진 사라센 양식, 수도원 상호 간의 교류, 십자군, 성지 순례 등을 통하여 전래된 동방 여러 지역의 양식, 카롤링거 양식, 비잔틴 양식 등이 상호 영향을 주고받으며 생겨난 중세 중기의 양식을 가리키게 되었다.9세기부터 10세기에 걸쳐 노르만족이나 사라센인 등의 이교도의 위협으로 카롤링거 왕조는 위그 카페에게 왕권이 계승되었고, 프랑크 왕국은 사실상 해체를 맞았다. 격동하는 사회 정세의 영향을 강하게 받은 서유럽 미술도 다시 큰 변혁을 겪게 되었다. 로마네스크 미술은 그러한 사회적 변동을 배경으로 초기 중세 미술이라는 기반을 발전시켜 11세기 후반부터 12세기에 걸쳐 서유럽 미술을 가리킨다.
건축 분야에서 로마네스크 미술의 특징은 중후한 석벽과 어두운 내부 공간에 나타나 있으며, 고대 바실리카식 건축을 기본으로 하면서도, 동서 방향의 축을 가진 건조물이 증가했다. 이것은 성지 순례를 하는 참배객의 동선을 배려한 결과 발전한 형태이다. 이러한 형태를 유지하는 교회당을 순례로 성당이라고 부르며, 툴루즈의 생 세르냉 대성당(en) 등이 대표적인 건조물로 꼽힌다. 수도원은 학문과 미술의 중심적인 역할을 담당했으며, 각 종파는 신앙의 보급 수단으로서 교회당 건설을 추진했다. 시토회는 도상을 부정하고 검소한 미술을 장려한 것에 반해, 베네딕트회는 호화로운 소재를 사용하여 미술의 장엄화에 주력했다. 지방에 따라 같은 로마네스크 미술 건축에서도 특징이 크게 다른 것은 지역에 대한 종파의 영향력 차이를 나타낸다.
후대의 고딕 미술 건축과 비교하여 벽면이 많고, 교회당의 천장이나 측벽에는 성경이나 성인전을 소재로 한 설화적인 벽화가 그려졌다. 지방에 따라 세세한 차이가 있으며, 가장 서방적인 양식을 확립한 것은 프랑스이며, 그 외 지역은 크고 작게 동방적인 비잔틴 미술의 요소를 도입한 벽화가 제작되었다. 이탈리아에서는 카롤링거 왕조의 전통을 계승하면서도 비잔틴 미술의 모범을 본받으면서 힘찬 필치로 그려진 것이 특징이며, 이탈로 비잔틴 양식이라고 불리는 이러한 대구도 벽화는 산 클레멘테 성당(en)이나 산탄젤로 인 포르미스 성당(it) 등에 남아 있다. 스페인에서는 동방적인 색채와 모사라베 미술(en)의 영향으로, 카탈루냐 지방에 독특한 로마네스크 미술이 꽃을 피웠다. 독일 남부, 오스트리아, 스위스 북부 등에서는 오토 왕조의 사본 공방의 영향력이 이탈리아를 경유하여 전해진 비잔틴 미술의 요소와 융합을 이룬 로마네스크 미술이 확립되어 있다.
공예 분야에서는 십자가, 장정판, 촛대, 성유물 상자, 제구와 같은 종교 용품이 활발하게 제작되었고, 고대의 부조나 조각 기법을 부활시킨 것에 큰 의의를 찾을 수 있다. 콩크의 성녀 포와의 유물상이 그 선구자였다. 오토 왕조의 전통을 잇는 독일 및 북 이탈리아의 여러 공방에서는 상아나 금을 소재로 한 공예 세공이 다수 제작되었으며, 프랑스의 리무쟁 지방에서는 에마유 공예가 발달하여 성유물 상자나 장정 등이 제작되었다. 바이에의 자수에 대표되는 자수 공예가 번성한 것도 로마네스크 미술의 특징이라고 할 수 있다.
4. 5. 고딕 미술
12세기 중반 프랑스에서 시작된 고딕 미술은 로마네스크 미술의 연장선상에 위치하며, 뾰족 아치와 스테인드글라스를 사용한 고딕 건축이 발달하면서 함께 발전하였다. 쉬제르에 의해 이루어진 1144년 생 드니 대성당 개축은 고딕 건축의 선구로 평가받으며, '빛'의 중요성을 강조하며 뾰족 아치를 사용한 늑골 교차 궁륭과 스테인드글라스를 끼운 큰 창을 조직적으로 활용하여 새로운 건축 의장을 창출했다. 이러한 움직임은 프랑스 주변 도시로 전파되었고, 영국의 캔터베리 대성당 등 국외에서도 고딕 건축 양식을 도입한 사례가 등장하였다.
로마네스크 건축에서 두껍고 넓은 벽면이 제거되고 크고 높은 들창의 형성이 가능해지자 스테인드 글라스가 발달하였다. 샤르트르 대성당에는 150개에 가까운 크고 작은 창이 모두 스테인드글라스로 장식되어 대표적인 예시로 꼽힌다. 장식 조각 역시 원주 인물상 등의 새로운 요소가 탄생하며 고대 이후 끊어졌던 소조성이 부활하여 자연스러운 둥근 인물상 표현으로 발전하는 효시가 되었다.
12세기에 들어서면서 고딕 건축을 채택한 성당 건립이 본격화되었으며, 노트르담 대성당은 그 길이가 145미터에 달하는 거대한 성당으로 세계 유산으로도 지정되었다. 13세기에 들어서면서 고딕 조각의 특징이라고 할 수 있는 S자형으로 비튼 자세, 부드러운 용모, 유려한 의복 주름과 같은 표현이 확립되었다.
14세기에는 교회의 분열과 흑사병의 대유행, 백년 전쟁의 영향으로 대규모 건축 조영이 이루어지지 않게 되었다. 회화는 14세기 후반부터 예술에서 주도적인 입지로 승화되었으며, 국제 고딕 양식이라고 불리는 피사넬로는 국제 고딕 양식의 대표적인 화가이며, 『에스테 가문의 영애 초상』 등 환상적인 작품을 제작하고 있다. 프랑스에서는 장 퓨셀이 프랑스의 우아한 인물 표현과 이탈리아의 공간 표현을 융합하여, 파리파 사본이라고 불리는 사본의 새로운 기준 양식을 확립하였다. 랑부르 형제가 제작한 『베리 공작의 호화로운 시도서』는 이 시대 사본 예술의 최고봉으로 여겨진다.
이탈리아에서는 비잔틴 미술의 영향이 강하게 남아 있어 고딕 미술의 침투가 늦어졌지만, 조토 디 본도네 와 시모네 마르티니와 같은 화가들에 의해 단계적으로 이루어져 후세의 르네상스의 초석이 다져졌다.
5. 근세
이탈리아는 당시 동방 무역을 통해 이슬람 문화와 고대 및 고전 학문·예술이 유입되었고, 고대 로마 유적과 유물에 접할 기회가 많았다. 유럽 중세의 신에 대해 고대 그리스·로마의 인간이 대치되어, 현실적이고 개인주의적인 문화가 시민계급에 의해 창조되었다.
알베르티, 브루넬레스키는 건축에서, 기베르티, 도나텔로는 조각에서 새로운 방향을 제시했고, 회화에서는 마사초가 이를 실현했다. 브루넬레스키가 설계한 산타 마리아 델 피오레 대성당은 고딕 양식 건축에서 명확하게 벗어나, 조화와 질서를 중요시하는 인간 중심적 세계관을 구현하여 르네상스 건축의 대표적인 사례가 되었다. 바사리의 열전에 따르면, 마사초가 프레스코화를 그린 피렌체의 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회는 많은 르네상스 화가들의 수련장이 되었다.
필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체 화가들은 북이탈리아에서 활동했으며, 특히 조토가 파도바의 아레나 예배당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 10년간(1443∼53) 체재하며 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상⟫을 제작한 것은 만테냐에게 큰 영향을 주었다.
도나텔로는 『다비드』 등 고대 로마의 작풍 부활에 힘써 르네상스 조각의 방향을 결정지었다. 특히 『다비드』는 두 발로 서 있는 고립상이라는 장르에서 나체 표현을 도입했다는 점에서 특별하다. 도나텔로가 확립한 르네상스 조각 양식은 이후 베로키오와 미켈란젤로에게 계승되었다.
건축과 조각에 비해 회화 분야의 혁신은 늦은 1420년대 전반에 이루어졌는데, 이는 고대 회화 유물이 거의 알려지지 않았기 때문으로 보인다. 젠틸레 다 파브리아노가 제작한 『동방 박사의 경배』에서 그 일면을 엿볼 수 있지만, 공간에 대한 배려는 부족했다. 그러나 마사초의 등장으로 상황이 바뀌었다. 조토가 확립했던 공간 표현에 빛의 명암으로 양감을 표현하는 수법이 융합되어, 더욱 깊은 공간을 얻는 데 성공했다.
브루넬레스키와 알베르티에 의해 합리적인 투시도 이론이 구축되자, 많은 화가들이 영향을 받아 실험적인 작품을 만들기 시작했다. 파올로 우첼로는 투시도법 연구에 몰두하여 『존 호크우드 기마상』, 『산 로마노 전투』 등을 발표했다. 이후, 필리포 리피, 프라 안젤리코 등이 마사초의 양식을 도입했다. 프라 안젤리코는 1430년대 이후 마사초의 공간 표현과 명암 묘사를 적극적으로 도입한 종교화를 다수 제작했다.
1470년대부터 활동을 시작한 레오나르도 다 빈치는 새로운 예술 양식의 창시자로, 최후의 만찬, 모나리자 등을 제작했다. 특히 『모나리자』에 사용된 스푸마토(Sfumato) 기법은 서양 회화에 큰 영향을 주었다. 레오나르도 다 빈치는 자연과학 분야에서도 해부학, 수리학 등에서 선구적인 업적을 남겼다.
미켈란젤로 부오나로티는 인체 표현의 새로운 양식을 확립하고 조각, 회화 분야에서 뛰어난 작품을 남겼다. 미켈란젤로의 『다비드』는 르네상스 시대를 대표하는 작품이다. 미켈란젤로는 시스티나 성당의 천장화에서 『창세기』의 여러 장면과 그리스도의 조상들을 그렸으며, 특히 『아담의 창조』는 성기 르네상스 시대의 이상적인 인간상을 표현했다는 평가를 받는다. 미켈란젤로는 성 베드로 대성당 건축의 총감독으로 임명되어 돔과 건물 후방부 설계를 진행했다.
라파엘로 산치오는 레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로의 업적을 받아들여 독자적인 인물 표현과 화면 구성의 형식미를 확립하고, 바티칸 궁전의 벽화인 아테네 학당을 제작했다. 라파엘로가 확립한 형식미는 이후 많은 화가들에게 영향을 주었다.
이 시대에는 교회나 공공 시설 외에도 부유층의 주문으로 조르조네의 『폭풍』과 같이 회화의 감각적인 매력을 우선시하는 작품이 다수 등장했다. 티치아노 베첼리오는 유화 기법의 가능성을 탐구하고 종교화, 초상화가로서 인기를 누렸으며, 조르조 바사리는 티치아노의 『에우로파의 겁탈』을 "가까이에서 보면 알 수 없지만, 멀리서 보면 완벽한 그림"이라고 평가했다.
성기 르네상스에 완성된 고전주의 예술의 뒤를 이어, 거의 1520년 경부터 17세기 초두에 걸쳐서 주로 회화를 중심으로 매너리즘이 유행하였다. 이러한 양식을 낳게 한 역사적 조건으로서는 라파엘로나 미켈란젤로의 완성된 힘찬 표현에 대한 경도(傾倒), 독일, 특히 뒤러의 작품을 통해서 전해진 북방 고딕의 강렬한 표현주의의 전통, 황제 카를 5세의 군대에 의한 '로마의 약탈'(1527)이나 종교전쟁에서 볼 수 있는 것과 같은 혼란한 시대 특유의 사회적 불안, 퐁텐블로의 프랑수아 1세나 피렌체의 코시모 대공을 비롯해 많은 예술 애호가 군주의 적극적인 보호정책을 들 수 있다. 표현은 극도로 세련된 기교, 곡선을 많이 쓴 복잡한 구성, 비뚤어진 원근법 등을 이용한 뜻하지 않은 구도, 명암의 콘트라스트나 복잡한 안길이의 표현에 의한 강렬한 효과, 환상적인 세부, 때로는 부자연스러운 프로포션이나 현실과 동떨어진 색채 등을 특색으로 하고, 자주 복잡한 우의적(寓意的), 추상적 내용도 포함하고 있다.
매너리즘이라는 단어는 "양식"이나 "수법"을 의미하는 이탈리아어 ''maniera''에서 유래되었으며, 바사리는 이를 "자연을 능가하는 고도의 예술적 수법"으로 정의했다. 그러나 17세기에 들어서면서, 창조되는 예술은 창의성을 잃고, 성기 르네상스 시대 거장들의 모방에 지나지 않는다고 여겨지게 되어, 부정적인 호칭으로 사용되게 되었다. 그 후, 21세기에 들어와 대비 평가와 분리되어, 성기 르네상스의 특징이었던 자연스러움과 자연에서 벗어난 조화가 무너지고, 자연을 초월한 세련됨, 예술적 기교, 관념성이 존재하는 작품이 등장한 성기 르네상스 이후의 예술적 동향을 가리키는 시대 양식명으로 사용되게 되었다.
처음 매너리즘이라는 이름이 붙여진 것은, 르네상스의 고전적 조화에 대한 의식적인 반역으로 해석된 야코포 다 폰토르모나 로소 피오렌티노의 작품이었다. 하지만, 미켈란젤로의 후반기 작품을 매너리즘에 포함시키는 견해나, 아뇰로 브론치노, 벤베누토 첼리니, 잠볼로냐와 같이 사회에 향유된 기상천외함을 가리켜 매너리즘이라고 칭하는 해석도 있어, 그 범위와 정의는 오늘날에도 유동적이다.
16세기 초는 성기 르네상스의 양식과 매너리즘 미술이 뒤섞인 혼돈의 시대였지만, 알프스 이북의 여러 나라에서는 비교적 일찍부터 매너리즘 미술이 수용되었고, 퐁텐블로파에 의한 작품이 여러 점 남아있다. 베네치아에서는 성기 르네상스가 다른 지역보다 오래 지속되지만, 16세기 후반에 틴토레토가 등장하고, 그 화풍에서 매너리즘의 특징을 엿볼 수 있게 된다. 그 후, 틴토레토의 영향을 받은 크레타 섬 출신의 엘 그레코가 로마에서 미켈란젤로의 예술에 감화되어, 스페인 톨레도에서 매너리즘적 특징과 베네치아 회화적 필치를 융합한 종교화를 제작하고 있다.
건축 분야에서는 16세기 후반에는 자코모 바로치 다 비뇰라, 자코모 델라 포르타에 의해 예수회의 모 교회 일 제수 성당이 세워졌으며, 외관 정면의 디자인이나 본당과 원개 아래의 명암대비 등의 구성 요소가, 바로크 미술에서의 성당 건축의 원형이 되었다.
15세기에 부르고뉴 공국에 속해 있던 네덜란드에서는 모직물 공업의 발전과 국제 무역의 진흥으로 시민 계급이 성장하면서 풍요로운 경제와 문화가 형성되었다. 특히 플랑드르 지방에서 발상한 유채 기법은 발색이 뛰어나 정교한 질감 묘사나 시각적 세계의 리얼한 재현을 가능하게 하였고, 서유럽 전역으로 전파되어 오늘날까지 확고한 지위를 확립했다. 초기 북방 르네상스에 해당하는 것은 15세기 회화에 한정되었으며, 건축 분야나 조각 분야는 고딕 미술의 틀 안에 머물렀다.
새로운 유채 기법이 채택된 최초의 작품은 형 후베르트가 착수하고 동생 얀이 완성한 반 에이크 형제의 『겐트 제단화』이다. 얀은 필리프 3세의 궁정 화가로서 정력적인 활동을 계속하며 수많은 종교화와 초상화를 제작했다. 『니콜라스 롤랭의 성모』는 실내에 시점을 설정하면서도 테라스 너머에 투시도법에 따른 정교한 풍경을 그림으로써 부자연스러움을 느끼게 하지 않고 실내와 외경의 통합에 성공한 획기적인 작품이다. 얀의 공기 원근법을 구사한 깊이감 묘사는 이후 네덜란드 화파로 계승되어 북방 르네상스의 큰 특징으로 거론되었다.
같은 무렵, 투르네에서 활약하던 로베르 캉팽은 사실적인 기법으로 그려진 일용품의 많은 부분에 기독교의 상징적 의미를 담은 작품을 제작하였고, 이러한 테크닉은 캉팽을 사사한 로히르 반 데르 웨이덴에 의해 계승되었다. 웨이덴은 초상화에서도 탁월한 솜씨를 보였고, 1450년에 방문한 이탈리아에서도 칭찬을 받았다.
이후에는 얀이나 로히르의 기법 양식에 짙게 영향을 받은 디르크 보우츠, 후고 반 데르 구스, 한스 멤링 등이 루뱅, 겐트, 브뤼헤 등을 중심으로 활약했다. 특히 반 데르 구스가 제작한 목자들의 사실적 표현과 미세한 풍경의 장식적인 배치가 돋보이는 『포르티나리 제단화』는 후에 피렌체로 옮겨져 피렌체의 화가들에게 큰 영향을 주었다. 한편, 히에로니무스 보스는 동시대의 이색적인 화가로 알려져 있으며, 인간의 악덕과 그 징벌이라는 중세적인 사상 배경을 바탕으로 만들어진 수많은 괴물과 지옥의 묘사는, 초현실주의를 예고하는 듯 보인다.
동시대의 프랑스는 백년 전쟁 종결 후에도 시민 계급의 대두가 보이지 않았고, 궁정 주변의 극히 제한된 범위에서의 예술 활동에 머물렀다. 샤를 7세의 궁정 화가였던 장 푸케가 『성모자』 등 이탈리아 초기 르네상스의 영향을 받은 작품을 제작하고 있다. 그러나, 등 소수의 예외를 제외하고는 이러한 작품은 침투하지 못하고, 미니어처 제작이 주류를 이루었다.
독일의 미술은 네덜란드 회화의 영향 아래 있었으며, 슈테판 로흐너나 콘라트 비츠 등이 활약했다. 특히, 비츠의 『기적의 어획』은 특정 가능한 현실의 경관을 그린 최초의 사례로 잘 알려져 있다. 15세기 후반에 들어서, 에 의해 웅혼한 회화나 미세한 조각 제단이 제작되었다. 또한, 판화 미술이 신장하여 마르틴 숌가우어의 등장으로 기법은 더욱 세련되었고, 후세의 거장 알브레히트 뒤러의 예술을 키운 토양을 형성하고 있다.
독일의 뒤러는 15세기 말부터 16세기 초에 걸쳐 두 차례 이탈리아 여행을 통해 르네상스 미술의 양식과 이념을 습득하고, 인체 표현, 공간 표현에 있어 이상적인 기법 양식을 독일 회화에 도입하려 시도했다. 이 성과는 목판화 분야에서 독일의 전통적인 표출성과 이탈리아의 기념비를 융합하여 제작된 『묵시록 연작』으로 구현되었다. 동판화 분야에서는 인그레이빙 기법을 극대화하여 『멜랑콜리아 I』, 『아담과 이브』와 같은 인문주의적 내용의 작품, 이상적인 누드상을 가진 작품을 제작하여 르네상스의 본고장인 이탈리아에도 큰 영향을 미쳤다. 유화에서는 『4명의 사도』가 대표적인 작품으로 알려져 있다.
색채 표현에 뛰어났던 마티아스 그뤼네발트는 『이젠하임 제단화』 등을 제작하여, 고딕 말기 미술의 환상성을 계승한 특징을 내포하고 있다. 크라나흐(아버지)는 독일의 숲을 무대로 고대 신화의 주제를 표현한 것으로 알려져 있다. 『도나우 풍경』은 서양 미술사상 처음으로 구체적인 실경을 인간 존재 없이 그린 획기적인 작품이다.
1517년, 마르틴 루터에 의해 종교 개혁의 기운이 높아지면서 미술 활동에도 심각한 영향을 미쳐 종교 미술이 부정적으로 여겨지게 되었다. 홀바인(아들) 등 종교 화가로 활동하던 자들은 차츰 초상 화가나 궁정 화가로 전향해 갔다.
프랑스에서는 1494년의 이탈리아 원정에서 르네상스 미술을 접한 샤를 8세에 의해 많은 건축가가 초빙되어, 국왕 주도로 건축을 중심으로 한 프랑스 르네상스가 꽃피었다. 프랑수아 1세 시대에는 루아르 강 유역의 성관 개수가 실시되었으며, 고딕 건축의 전통과 이탈리아 르네상스의 특징이 융합된 건축물이 다수 등장했다. 1520년대 말에는 퐁텐블로 성관의 개장이 시작되어, 로소 피오렌티노, 프란체스코 프리마티치오 등을 초빙하여 내부 장식을 맡겼다. 여기서 탄생한 이탈리아의 매너리즘을 구현한 로소 등의 작품은 퐁텐블로 파라고 불리는 궁정 미술 양식을 낳는 계기가 되었다. 그 외, 독일의 홀바인(아들)과 공통되는 정교한 양식을 확립한 장 쿠에, 프랑수아 쿠에 부자, 그리고 체리니의 영향을 받으면서도 프랑스 고유의 르네상스 조각을 탄생시킨 장 구젱 등이 있다.
네덜란드의 회화 미술은 15세기의 단계에서 성숙하여, 유채 기법이나 사실적 표현에 있어 이탈리아에 영향을 주는 측이었으나, 성기 르네상스를 맞이한 이후에는 입장이 역전되어, 이탈리아의 미술과 고전 고대의 미술을 본보기로 삼게 되었다. 16세기 초에 활동한 퀸텐 마시스의 화풍에서는 레오나르도의 스푸마토의 영향을 엿볼 수 있으며, 얀 호사르트는 고대 조각풍 누드상을 그려냈다. 베르나르트 판 오를레이는 수학적 원근법, 단축법, 복잡한 운동 표현을 네덜란드 미술에 도입한 화가로서 중요하다. 15세기 네덜란드의 정교한 양식에서 탈피하여 르네상스의 웅장한 양식으로 추진하는 자들을 통틀어 "로마니스트"라고 부른다.
초상화에서는 안토니스 모르가 국제적인 활약을 펼치는 동시에, 네덜란드 북부의 미술 활동의 활성화에 크게 기여했다. 뒤러의 영향을 받으면서도 정교한 동판화를 제작한 루카스 판 레이덴 등은 북부에서 활약한 대표적인 미술가 중 한 명이다. 1524년에 로마에서 위트레흐트로 돌아온 얀 판 스코렐의 영향으로 로마니스트의 활동은 북부에도 침투해 갔다. 16세기 후반에는 프로테스탄트의 성상 파괴 운동 등으로 인한 종교적, 정치적 소란이 미술 활동의 발전을 방해했지만, 16세기 말에 등장한 코르넬리스 판 하를렘, 헨드릭 홀치우스 등의 활약으로 프라하와 더불어 하를렘이 국제 매너리즘의 중심지로 번성했다.
16세기 네덜란드 회화의 또 다른 특징으로는 풍속화, 풍경화, 정물화의 자립을 들 수 있다. 카타리나 판 헤메센 및 피터르 아르트센을 효시로 하는 이 경향은, 16세기 초의 요아힘 파티니르에 의해 크게 전진을 보았다. 파티니르는 관찰과 공상에서 합성된 조감도 속에 종교 주제의 인물을 점경으로 그려 넣고, 인물과 배경의 관계성을 역전시키는 데 성공했다. 피터르 브뤼헐에 의해 이 양식은 완성되었고, 후세에 커다란 영향을 남겼다. 『눈 속의 사냥꾼』은 그 대표적인 작품 중 하나이다.
17세기 서양 미술은 바로크 미술이라고 칭한다. 바로크는 "규범에서 벗어남"을 뜻하는 형용사로 18세기 말부터 사용되기 시작했다. 16세기 매너리즘의 지적 편중과 유희성이 귀족과 일부 지식계급의 주목을 끌었던 반면, 17세기 이탈리아 회화는 카라바조의 사실주의와 카라치의 아카데미즘을 기반으로 출발했다. 바로크의 창시자인 카라바조의 영향은 에스파냐와 북유럽으로 퍼져 '카라바제스키'라 불리는 추종자를 낳았다.
1580년대 안니발레 카라치는 볼로냐에 아카데미(화숙)를 설립하여 고대 미술과 르네상스 전성기 미술의 이상성과 현실성의 융합을 시도한 볼로냐 파 화풍을 체현했다. 카라치는 "고전주의적 풍경화"를 창시한 것으로도 알려져 있다. 카라치의 영향을 받은 카라바조는 종교화의 인물을 현실적인 서민의 모습으로 그려내 논란을 일으켰으나, 서양 회화 전체에 큰 영향을 미쳤다.
조각 및 건축 분야에서는 지안 로렌초 베르니니가 대표적인 미술가로 꼽힌다. 베르니니는 『성 테레사의 법열』에서 조각과 건축을 조합한 작품을 제작하고, 많은 분수 조각을 설계하여 로마의 경관을 바꾸었다. 프란체스코 보로미니는 산 카를로 알레 콰트로 폰타네 성당에서 독창적인 건축 표현을 선보였다.
플랑드르에서는 페테르 파울 루벤스가 르네상스 미술과 카라바조의 명암법을 융합하여 독자적인 방식을 완성했다. 루벤스는 가톨릭 부흥의 기운 속에서 국제적인 평가를 얻었으며, 풍경화의 새로운 국면을 열었다. 안토니 반 다이크는 찰스 1세의 궁정 화가로서 귀족적 초상화의 규범을 구축했고, 야코프 요르다에르스는 서민적인 활력이 넘치는 작품을 남겼다.
네덜란드에서는 렘브란트 판 레인이 대표적인 화가이다. 프란스 할스는 집단 초상화와 풍속화를, 얀 스테인은 우의나 속담을 주제로 한 작품을, 요하네스 베르메르는 일상 속 인물을 그려 풍속화의 새로운 경지를 개척했다. 베르메르는 19세기에 들어와 17세기 최대의 화가로 평가받게 되었다.
스페인에서는 디에고 벨라스케스가 시각적 인상을 정확하게 포착하는 새로운 묘법을 창안하여, 『시녀들』을 비롯한 많은 작품을 탄생시켰다. 프란시스코 데 수르바란은 신비주의적인 양식을 확립하여 정물화와 종교화를, 바르톨로메 에스테반 무리요는 화려한 색채로 감미로운 종교화와 풍속화를 제작했다.
프랑스에서는 니콜라 푸생이 엄격한 고전주의 양식을 확립하고, 클로드 로랭이 고전주의적 풍경화를 전개했다. 이들의 예술은 루이 14세가 설립한 왕립 아카데미의 규범으로 숭상되었다. 건축 분야에서는 클로드 페로의 루브르 박물관을 필두로 고대풍 양식에 기초한 건설이 이루어졌고, 베르사유 궁전은 궁전 건축의 범례로서 큰 영향을 주었다.
18세기 프랑스를 중심으로 유행한 로코코 미술은 귀족적이고 우아한 특징을 지닌다. 파리의 세련된 생활 속에서 발전한 로코코 양식은 계몽주의와 함께 전 유럽의 궁정 문화에 영향을 주었다. 프리드리히 대왕, 요제프 2세, 예카테리나 2세 등 여러 나라의 궁정에 프랑스 예술가들이 초청되어 큰 영향을 주었으며, 파리는 유럽 미술의 주도권을 장악하게 되었다.
앙투안 바토는 이탈리아 희극과 귀족적 환락을 결합한 "페트 갈랑트"라는 주제를 통해 풍요로운 색채의 세계를 만들어 냈다. 상류사회의 남녀가 숲과 정원에서 향연을 즐기는 장면을 그린 페트 갈랑트는 귀족들의 덧없는 몽상을 우아하고 요염하게 형상화하여 덧없는 애수의 정을 담아냈다. 앙투안 바토의 대표작인 『키테라 섬의 순례』에 나타난 야외에서의 남녀의 희롱을 표현한 화제는 로코코 미술의 중요한 요소로 승화되었고, 니콜라 랑크레, 장 바티스트 파테르 등 다른 화가들에게도 영향을 주었다. 루이 15세 치하에서 이러한 유형의 회화가 가장 환영받았으며, 파테르와 랑크레 등이 이를 계승하였다. 퐁파두르 부인의 비호를 받은 프랑수아 부셰는 페트 갈랑트에 관능성을 더하여 유럽 전역으로 확산시켰다. 이러한 화풍은 장 오노레 프라고나르에게 계승되었다.
로코코 미술은 건축, 회화, 공예 등 다양한 분야에서 특징적인 발전을 보였다. 가브리엘 제르맹 보프랑이 건설한 오텔 드 수비스는 흰색 바탕에 금색 장식이 더해진 웅장한 실내로 로코코 건축의 대표적인 사례로 꼽힌다. 공예 분야는 황금기를 맞이하여 가구, 금속 공예, 복식, 도자기 등에서 수준 높은 작품이 탄생했으며, 독일의 마이센도 비약적인 발전을 이루었다.
5. 1. 르네상스 미술
### 이탈리아 초기 르네상스이탈리아는 당시 동방 무역을 통해 이슬람 문화와 고대 및 고전 학문·예술이 유입되었고, 고대 로마 유적과 유물에 접할 기회가 많았다. 유럽 중세의 신에 대해 고대 그리스·로마의 인간이 대치되어, 현실적이고 개인주의적인 문화가 시민계급에 의해 창조되었다.
알베르티, 브루넬레스키는 건축에서, 기베르티, 도나텔로는 조각에서 새로운 방향을 제시했고, 회화에서는 마사초가 이를 실현했다. 브루넬레스키가 설계한 산타 마리아 델 피오레 대성당은 고딕 양식 건축에서 명확하게 벗어나, 조화와 질서를 중요시하는 인간 중심적 세계관을 구현하여 르네상스 건축의 대표적인 사례가 되었다. 바사리의 열전에 따르면, 마사초가 프레스코화를 그린 피렌체의 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회는 많은 르네상스 화가들의 수련장이 되었다.
필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체 화가들은 북이탈리아에서 활동했으며, 특히 조토가 파도바의 아레나 예배당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 10년간(1443∼53) 체재하며 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상⟫을 제작한 것은 만테냐에게 큰 영향을 주었다.
도나텔로는 『다비드』 등 고대 로마의 작풍 부활에 힘써 르네상스 조각의 방향을 결정지었다. 특히 『다비드』는 두 발로 서 있는 고립상이라는 장르에서 나체 표현을 도입했다는 점에서 특별하다. 도나텔로가 확립한 르네상스 조각 양식은 이후 베로키오와 미켈란젤로에게 계승되었다.
건축과 조각에 비해 회화 분야의 혁신은 늦은 1420년대 전반에 이루어졌는데, 이는 고대 회화 유물이 거의 알려지지 않았기 때문으로 보인다. 젠틸레 다 파브리아노가 제작한 『동방 박사의 경배』에서 그 일면을 엿볼 수 있지만, 공간에 대한 배려는 부족했다. 그러나 마사초의 등장으로 상황이 바뀌었다. 조토가 확립했던 공간 표현에 빛의 명암으로 양감을 표현하는 수법이 융합되어, 더욱 깊은 공간을 얻는 데 성공했다.
브루넬레스키와 알베르티에 의해 합리적인 투시도 이론이 구축되자, 많은 화가들이 영향을 받아 실험적인 작품을 만들기 시작했다. 파올로 우첼로는 투시도법 연구에 몰두하여 『존 호크우드 기마상』, 『산 로마노 전투』 등을 발표했다. 이후, 필리포 리피, 프라 안젤리코 등이 마사초의 양식을 도입했다. 프라 안젤리코는 1430년대 이후 마사초의 공간 표현과 명암 묘사를 적극적으로 도입한 종교화를 다수 제작했다.
5. 1. 1. 이탈리아 초기 르네상스
이탈리아는 당시 동방 무역을 통해 이슬람 문화와 고대 및 고전 학문·예술이 유입되었고, 고대 로마 유적과 유물에 접할 기회가 많았다. 유럽 중세의 신에 대해 고대 그리스·로마의 인간이 대치되어, 현실적이고 개인주의적인 문화가 시민계급에 의해 창조되었다.알베르티, 브루넬레스키는 건축에서, 기베르티, 도나텔로는 조각에서 새로운 방향을 제시했고, 회화에서는 마사초가 이를 실현했다. 브루넬레스키가 설계한 산타 마리아 델 피오레 대성당 성당은 고딕 양식 건축에서 명확하게 벗어나, 조화와 질서를 중요시하는 인간 중심적 세계관을 구현하여 르네상스 건축의 대표적인 사례가 되었다. 바사리의 열전에 따르면, 마사초가 프레스코화를 그린 피렌체의 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회는 많은 르네상스 화가들의 수련장이 되었다. 마사초의 《성전 세》는 원근법과 사실적인 인체 묘사를 통해 르네상스 미술의 새로운 지평을 열었다는 평가를 받는다.
필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체 화가들은 북이탈리아에서 활동했으며, 특히 조토가 파도바의 아레나 예배당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 10년간(1443∼53) 체재하며 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상⟫을 제작한 것은 만테냐에게 큰 영향을 주었다.
도나텔로는 『다비드』 등 고대 로마의 작풍 부활에 힘써 르네상스 조각의 방향을 결정지었다. 특히 『다비드』는 두 발로 서 있는 고립상이라는 장르에서 나체 표현을 도입했다는 점에서 특별하다. 도나텔로가 확립한 르네상스 조각 양식은 이후 베로키오와 미켈란젤로에게 계승되었다.
건축과 조각에 비해 회화 분야의 혁신은 늦은 1420년대 전반에 이루어졌는데, 이는 고대 회화 유물이 거의 알려지지 않았기 때문으로 보인다. 젠틸레 다 파브리아노가 제작한 『동방 박사의 경배』에서 그 일면을 엿볼 수 있지만, 공간에 대한 배려는 부족했다. 그러나 마사초의 등장으로 상황이 바뀌었다. 조토가 확립했던 공간 표현에 빛의 명암으로 양감을 표현하는 수법이 융합되어, 더욱 깊은 공간을 얻는 데 성공했다.
브루넬레스키와 알베르티에 의해 합리적인 투시도 이론이 구축되자, 많은 화가들이 영향을 받아 실험적인 작품을 만들기 시작했다. 파올로 우첼로는 투시도법 연구에 몰두하여 『존 호크우드 기마상』, 『산 로마노 전투』 등을 발표했다. 이후, 필리포 리피, 프라 안젤리코 등이 마사초의 양식을 도입했다. 프라 안젤리코는 1430년대 이후 마사초의 공간 표현과 명암 묘사를 적극적으로 도입한 종교화를 다수 제작했다.
5. 1. 2. 이탈리아 전성기 르네상스
1470년대부터 활동을 시작한 레오나르도 다 빈치는 새로운 예술 양식의 창시자로, 최후의 만찬, 모나리자 등을 제작했다. 특히 『모나리자』에 사용된 스푸마토(Sfumato) 기법은 서양 회화에 큰 영향을 주었다. 레오나르도 다 빈치는 자연과학 분야에서도 해부학, 수리학 등에서 선구적인 업적을 남겼다.미켈란젤로 부오나로티는 인체 표현의 새로운 양식을 확립하고 조각, 회화 분야에서 뛰어난 작품을 남겼다. 미켈란젤로의 『다비드』는 르네상스 시대를 대표하는 작품이다. 미켈란젤로는 시스티나 성당의 천장화에서 『창세기』의 여러 장면과 그리스도의 조상들을 그렸으며, 특히 『아담의 창조』는 성기 르네상스 시대의 이상적인 인간상을 표현했다는 평가를 받는다. 미켈란젤로는 성 베드로 대성당 건축의 총감독으로 임명되어 돔과 건물 후방부 설계를 진행했다.
라파엘로 산치오는 레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로의 업적을 받아들여 독자적인 인물 표현과 화면 구성의 형식미를 확립하고, 바티칸 궁전의 벽화인 아테네 학당을 제작했다. 라파엘로가 확립한 형식미는 이후 많은 화가들에게 영향을 주었다.
이 시대에는 교회나 공공 시설 외에도 부유층의 주문으로 조르조네의 『폭풍』과 같이 회화의 감각적인 매력을 우선시하는 작품이 다수 등장했다. 티치아노 베첼리오는 유화 기법의 가능성을 탐구하고 종교화, 초상화가로서 인기를 누렸으며, 조르조 바사리는 티치아노의 『에우로파의 겁탈』을 "가까이에서 보면 알 수 없지만, 멀리서 보면 완벽한 그림"이라고 평가했다.
5. 1. 3. 매너리즘
성기 르네상스에 완성된 고전주의 예술의 뒤를 이어, 거의 1520년 경부터 17세기 초두에 걸쳐서 주로 회화를 중심으로 매너리즘이 유행하였다. 이러한 양식을 낳게 한 역사적 조건으로서는 라파엘로나 미켈란젤로의 완성된 힘찬 표현에 대한 경도(傾倒), 독일, 특히 뒤러의 작품을 통해서 전해진 북방 고딕의 강렬한 표현주의의 전통, 황제 카를 5세의 군대에 의한 '로마의 약탈'(1527)이나 종교전쟁에서 볼 수 있는 것과 같은 혼란한 시대 특유의 사회적 불안, 퐁텐블로의 프랑수아 1세나 피렌체의 코시모 대공을 비롯해 많은 예술 애호가 군주의 적극적인 보호정책을 들 수 있다. 표현은 극도로 세련된 기교, 곡선을 많이 쓴 복잡한 구성, 비뚤어진 원근법 등을 이용한 뜻하지 않은 구도, 명암의 콘트라스트나 복잡한 안길이의 표현에 의한 강렬한 효과, 환상적인 세부, 때로는 부자연스러운 프로포션이나 현실과 동떨어진 색채 등을 특색으로 하고, 자주 복잡한 우의적(寓意的), 추상적 내용도 포함하고 있다.
매너리즘이라는 단어는 "양식"이나 "수법"을 의미하는 이탈리아어 ''maniera''에서 유래되었으며, 바사리는 이를 "자연을 능가하는 고도의 예술적 수법"으로 정의했다. 그러나 17세기에 들어서면서, 창조되는 예술은 창의성을 잃고, 성기 르네상스 시대 거장들의 모방에 지나지 않는다고 여겨지게 되어, 부정적인 호칭으로 사용되게 되었다. 그 후, 21세기에 들어와 대비 평가와 분리되어, 성기 르네상스의 특징이었던 자연스러움과 자연에서 벗어난 조화가 무너지고, 자연을 초월한 세련됨, 예술적 기교, 관념성이 존재하는 작품이 등장한 성기 르네상스 이후의 예술적 동향을 가리키는 시대 양식명으로 사용되게 되었다.
처음 매너리즘이라는 이름이 붙여진 것은, 르네상스의 고전적 조화에 대한 의식적인 반역으로 해석된 야코포 다 폰토르모나 로소 피오렌티노의 작품이었다. 하지만, 미켈란젤로의 후반기 작품을 매너리즘에 포함시키는 견해나, 아뇰로 브론치노, 벤베누토 첼리니, 잠볼로냐와 같이 사회에 향유된 기상천외함을 가리켜 매너리즘이라고 칭하는 해석도 있어, 그 범위와 정의는 오늘날에도 유동적이다.
16세기 초는 성기 르네상스의 양식과 매너리즘 미술이 뒤섞인 혼돈의 시대였지만, 알프스 이북의 여러 나라에서는 비교적 일찍부터 매너리즘 미술이 수용되었고, 퐁텐블로파에 의한 작품이 여러 점 남아있다. 베네치아에서는 성기 르네상스가 다른 지역보다 오래 지속되지만, 16세기 후반에 틴토레토가 등장하고, 그 화풍에서 매너리즘의 특징을 엿볼 수 있게 된다. 그 후, 틴토레토의 영향을 받은 크레타 섬 출신의 엘 그레코가 로마에서 미켈란젤로의 예술에 감화되어, 스페인 톨레도에서 매너리즘적 특징과 베네치아 회화적 필치를 융합한 종교화를 제작하고 있다.
건축 분야에서는 16세기 후반에는 자코모 바로치 다 비뇰라, 자코모 델라 포르타에 의해 예수회의 모 교회 일 제수 성당이 세워졌으며, 외관 정면의 디자인이나 본당과 원개 아래의 명암대비 등의 구성 요소가, 바로크 미술에서의 성당 건축의 원형이 되었다.
5. 1. 4. 북유럽 르네상스
15세기에 부르고뉴 공국에 속해 있던 네덜란드에서는 모직물 공업의 발전과 국제 무역의 진흥으로 시민 계급이 성장하면서 풍요로운 경제와 문화가 형성되었다. 특히 플랑드르 지방에서 발상한 유채 기법은 발색이 뛰어나 정교한 질감 묘사나 시각적 세계의 리얼한 재현을 가능하게 하였고, 서유럽 전역으로 전파되어 오늘날까지 확고한 지위를 확립했다. 초기 북방 르네상스에 해당하는 것은 15세기 회화에 한정되었으며, 건축 분야나 조각 분야는 고딕 미술의 틀 안에 머물렀다.새로운 유채 기법이 채택된 최초의 작품은 형 후베르트가 착수하고 동생 얀이 완성한 반 에이크 형제의 『겐트 제단화』이다. 얀은 필리프 3세의 궁정 화가로서 정력적인 활동을 계속하며 수많은 종교화와 초상화를 제작했다. 『니콜라스 롤랭의 성모』는 실내에 시점을 설정하면서도 테라스 너머에 투시도법에 따른 정교한 풍경을 그림으로써 부자연스러움을 느끼게 하지 않고 실내와 외경의 통합에 성공한 획기적인 작품이다. 얀의 공기 원근법을 구사한 깊이감 묘사는 이후 네덜란드 화파로 계승되어 북방 르네상스의 큰 특징으로 거론되었다.
같은 무렵, 투르네에서 활약하던 로베르 캉팽은 사실적인 기법으로 그려진 일용품의 많은 부분에 기독교의 상징적 의미를 담은 작품을 제작하였고, 이러한 테크닉은 캉팽을 사사한 로히르 반 데르 웨이덴에 의해 계승되었다. 웨이덴은 초상화에서도 탁월한 솜씨를 보였고, 1450년에 방문한 이탈리아에서도 칭찬을 받았다.
이후에는 얀이나 로히르의 기법 양식에 짙게 영향을 받은 디르크 보우츠, 후고 반 데르 구스, 한스 멤링 등이 루뱅, 겐트, 브뤼헤 등을 중심으로 활약했다. 특히 반 데르 구스가 제작한 목자들의 사실적 표현과 미세한 풍경의 장식적인 배치가 돋보이는 『포르티나리 제단화』는 후에 피렌체로 옮겨져 피렌체의 화가들에게 큰 영향을 주었다. 한편, 히에로니무스 보스는 동시대의 이색적인 화가로 알려져 있으며, 인간의 악덕과 그 징벌이라는 중세적인 사상 배경을 바탕으로 만들어진 수많은 괴물과 지옥의 묘사는, 초현실주의를 예고하는 듯 보인다.
동시대의 프랑스는 백년 전쟁 종결 후에도 시민 계급의 대두가 보이지 않았고, 궁정 주변의 극히 제한된 범위에서의 예술 활동에 머물렀다. 샤를 7세의 궁정 화가였던 장 푸케가 『성모자』 등 이탈리아 초기 르네상스의 영향을 받은 작품을 제작하고 있다. 그러나, 등 소수의 예외를 제외하고는 이러한 작품은 침투하지 못하고, 미니어처 제작이 주류를 이루었다.
독일의 미술은 네덜란드 회화의 영향 아래 있었으며, 슈테판 로흐너나 콘라트 비츠 등이 활약했다. 특히, 비츠의 『기적의 어획』은 특정 가능한 현실의 경관을 그린 최초의 사례로 잘 알려져 있다. 15세기 후반에 들어서, 에 의해 웅혼한 회화나 미세한 조각 제단이 제작되었다. 또한, 판화 미술이 신장하여 마르틴 숌가우어의 등장으로 기법은 더욱 세련되었고, 후세의 거장 알브레히트 뒤러의 예술을 키운 토양을 형성하고 있다.
독일의 뒤러는 15세기 말부터 16세기 초에 걸쳐 두 차례 이탈리아 여행을 통해 르네상스 미술의 양식과 이념을 습득하고, 인체 표현, 공간 표현에 있어 이상적인 기법 양식을 독일 회화에 도입하려 시도했다. 이 성과는 목판화 분야에서 독일의 전통적인 표출성과 이탈리아의 기념비를 융합하여 제작된 『묵시록 연작』으로 구현되었다. 동판화 분야에서는 인그레이빙 기법을 극대화하여 『멜랑콜리아 I』, 『아담과 이브』와 같은 인문주의적 내용의 작품, 이상적인 누드상을 가진 작품을 제작하여 르네상스의 본고장인 이탈리아에도 큰 영향을 미쳤다. 유화에서는 『4명의 사도』가 대표적인 작품으로 알려져 있다.
색채 표현에 뛰어났던 마티아스 그뤼네발트는 『이젠하임 제단화』 등을 제작하여, 고딕 말기 미술의 환상성을 계승한 특징을 내포하고 있다. 크라나흐(아버지)는 독일의 숲을 무대로 고대 신화의 주제를 표현한 것으로 알려져 있다. 『도나우 풍경』은 서양 미술사상 처음으로 구체적인 실경을 인간 존재 없이 그린 획기적인 작품이다.
1517년, 마르틴 루터에 의해 종교 개혁의 기운이 높아지면서 미술 활동에도 심각한 영향을 미쳐 종교 미술이 부정적으로 여겨지게 되었다. 홀바인(아들) 등 종교 화가로 활동하던 자들은 차츰 초상 화가나 궁정 화가로 전향해 갔다.
프랑스에서는 1494년의 이탈리아 원정에서 르네상스 미술을 접한 샤를 8세에 의해 많은 건축가가 초빙되어, 국왕 주도로 건축을 중심으로 한 프랑스 르네상스가 꽃피었다. 프랑수아 1세 시대에는 루아르 강 유역의 성관 개수가 실시되었으며, 고딕 건축의 전통과 이탈리아 르네상스의 특징이 융합된 건축물이 다수 등장했다. 1520년대 말에는 퐁텐블로 성관의 개장이 시작되어, 로소 피오렌티노, 프란체스코 프리마티치오 등을 초빙하여 내부 장식을 맡겼다. 여기서 탄생한 이탈리아의 매너리즘을 구현한 로소 등의 작품은 퐁텐블로 파라고 불리는 궁정 미술 양식을 낳는 계기가 되었다. 그 외, 독일의 홀바인(아들)과 공통되는 정교한 양식을 확립한 장 쿠에, 프랑수아 쿠에 부자, 그리고 체리니의 영향을 받으면서도 프랑스 고유의 르네상스 조각을 탄생시킨 장 구젱 등이 있다.
네덜란드의 회화 미술은 15세기의 단계에서 성숙하여, 유채 기법이나 사실적 표현에 있어 이탈리아에 영향을 주는 측이었으나, 성기 르네상스를 맞이한 이후에는 입장이 역전되어, 이탈리아의 미술과 고전 고대의 미술을 본보기로 삼게 되었다. 16세기 초에 활동한 퀸텐 마시스의 화풍에서는 레오나르도의 스푸마토의 영향을 엿볼 수 있으며, 얀 호사르트는 고대 조각풍 누드상을 그려냈다. 베르나르트 판 오를레이는 수학적 원근법, 단축법, 복잡한 운동 표현을 네덜란드 미술에 도입한 화가로서 중요하다. 15세기 네덜란드의 정교한 양식에서 탈피하여 르네상스의 웅장한 양식으로 추진하는 자들을 통틀어 "로마니스트"라고 부른다.
초상화에서는 안토니스 모르가 국제적인 활약을 펼치는 동시에, 네덜란드 북부의 미술 활동의 활성화에 크게 기여했다. 뒤러의 영향을 받으면서도 정교한 동판화를 제작한 루카스 판 레이덴 등은 북부에서 활약한 대표적인 미술가 중 한 명이다. 1524년에 로마에서 위트레흐트로 돌아온 얀 판 스코렐의 영향으로 로마니스트의 활동은 북부에도 침투해 갔다. 16세기 후반에는 프로테스탄트의 성상 파괴 운동 등으로 인한 종교적, 정치적 소란이 미술 활동의 발전을 방해했지만, 16세기 말에 등장한 코르넬리스 판 하를렘, 헨드릭 홀치우스 등의 활약으로 프라하와 더불어 하를렘이 국제 매너리즘의 중심지로 번성했다.
16세기 네덜란드 회화의 또 다른 특징으로는 풍속화, 풍경화, 정물화의 자립을 들 수 있다. 카타리나 판 헤메센 및 피터르 아르트센을 효시로 하는 이 경향은, 16세기 초의 요아힘 파티니르에 의해 크게 전진을 보았다. 파티니르는 관찰과 공상에서 합성된 조감도 속에 종교 주제의 인물을 점경으로 그려 넣고, 인물과 배경의 관계성을 역전시키는 데 성공했다. 피터르 브뤼헐에 의해 이 양식은 완성되었고, 후세에 커다란 영향을 남겼다. 『눈 속의 사냥꾼』은 그 대표적인 작품 중 하나이다.
5. 2. 바로크 미술
17세기 서양 미술은 바로크 미술이라고 칭한다. 바로크는 "규범에서 벗어남"을 뜻하는 형용사로 18세기 말부터 사용되기 시작했다. 16세기 매너리즘의 지적 편중과 유희성이 귀족과 일부 지식계급의 주목을 끌었던 반면, 17세기 이탈리아 회화는 카라바조의 사실주의와 카라치의 아카데미즘을 기반으로 출발했다. 바로크의 창시자인 카라바조의 영향은 에스파냐와 북유럽으로 퍼져 '카라바제스키'라 불리는 추종자를 낳았다.
1580년대 안니발레 카라치는 볼로냐에 아카데미(화숙)를 설립하여 고대 미술과 르네상스 전성기 미술의 이상성과 현실성의 융합을 시도한 볼로냐 파 화풍을 체현했다. 카라치는 "고전주의적 풍경화"를 창시한 것으로도 알려져 있다. 카라치의 영향을 받은 카라바조는 종교화의 인물을 현실적인 서민의 모습으로 그려내 논란을 일으켰으나, 서양 회화 전체에 큰 영향을 미쳤다.
조각 및 건축 분야에서는 지안 로렌초 베르니니가 대표적인 미술가로 꼽힌다. 베르니니는 『성 테레사의 법열』에서 조각과 건축을 조합한 작품을 제작하고, 많은 분수 조각을 설계하여 로마의 경관을 바꾸었다. 프란체스코 보로미니는 산 카를로 알레 콰트로 폰타네 성당에서 독창적인 건축 표현을 선보였다.
플랑드르에서는 페테르 파울 루벤스가 르네상스 미술과 카라바조의 명암법을 융합하여 독자적인 방식을 완성했다. 루벤스는 가톨릭 부흥의 기운 속에서 국제적인 평가를 얻었으며, 풍경화의 새로운 국면을 열었다. 안토니 반 다이크는 찰스 1세의 궁정 화가로서 귀족적 초상화의 규범을 구축했고, 야코프 요르다에르스는 서민적인 활력이 넘치는 작품을 남겼다.
네덜란드에서는 렘브란트 판 레인이 대표적인 화가이다. 프란스 할스는 집단 초상화와 풍속화를, 얀 스테인은 우의나 속담을 주제로 한 작품을, 요하네스 베르메르는 일상 속 인물을 그려 풍속화의 새로운 경지를 개척했다. 베르메르는 19세기에 들어와 17세기 최대의 화가로 평가받게 되었다.
스페인에서는 디에고 벨라스케스가 시각적 인상을 정확하게 포착하는 새로운 묘법을 창안하여, 『시녀들』을 비롯한 많은 작품을 탄생시켰다. 프란시스코 데 수르바란은 신비주의적인 양식을 확립하여 정물화와 종교화를, 바르톨로메 에스테반 무리요는 화려한 색채로 감미로운 종교화와 풍속화를 제작했다.
프랑스에서는 니콜라 푸생이 엄격한 고전주의 양식을 확립하고, 클로드 로랭이 고전주의적 풍경화를 전개했다. 이들의 예술은 루이 14세가 설립한 왕립 아카데미의 규범으로 숭상되었다. 건축 분야에서는 클로드 페로의 루브르 박물관을 필두로 고대풍 양식에 기초한 건설이 이루어졌고, 베르사유 궁전은 궁전 건축의 범례로서 큰 영향을 주었다.
5. 3. 로코코 미술
18세기 프랑스를 중심으로 유행한 로코코 미술은 귀족적이고 우아한 특징을 지닌다. 파리의 세련된 생활 속에서 발전한 로코코 양식은 계몽주의와 함께 전 유럽의 궁정 문화에 영향을 주었다. 프리드리히 대왕, 요제프 2세, 예카테리나 2세 등 여러 나라의 궁정에 프랑스 예술가들이 초청되어 큰 영향을 주었으며, 파리는 유럽 미술의 주도권을 장악하게 되었다.앙투안 바토는 이탈리아 희극과 귀족적 환락을 결합한 "페트 갈랑트"라는 주제를 통해 풍요로운 색채의 세계를 만들어 냈다. 상류사회의 남녀가 숲과 정원에서 향연을 즐기는 장면을 그린 페트 갈랑트는 귀족들의 덧없는 몽상을 우아하고 요염하게 형상화하여 덧없는 애수의 정을 담아냈다. 앙투안 바토의 대표작인 『키테라 섬의 순례』에 나타난 야외에서의 남녀의 희롱을 표현한 화제는 로코코 미술의 중요한 요소로 승화되었고, 니콜라 랑크레, 장 바티스트 파테르 등 다른 화가들에게도 영향을 주었다. 루이 15세 치하에서 이러한 유형의 회화가 가장 환영받았으며, 파테르와 랑크레 등이 이를 계승하였다. 퐁파두르 부인의 비호를 받은 프랑수아 부셰는 페트 갈랑트에 관능성을 더하여 유럽 전역으로 확산시켰다. 이러한 화풍은 장 오노레 프라고나르에게 계승되었다.
로코코 미술은 건축, 회화, 공예 등 다양한 분야에서 특징적인 발전을 보였다. 가브리엘 제르맹 보프랑이 건설한 오텔 드 수비스는 흰색 바탕에 금색 장식이 더해진 웅장한 실내로 로코코 건축의 대표적인 사례로 꼽힌다. 공예 분야는 황금기를 맞이하여 가구, 금속 공예, 복식, 도자기 등에서 수준 높은 작품이 탄생했으며, 독일의 마이센도 비약적인 발전을 이루었다.
6. 근대
-1842년
프랑스 혁명부터 제2 제정기까지의 18세기부터 19세기에 걸쳐 프랑스를 중심으로 한 미술 양식은 일반적으로 신고전주의, 낭만주의, 사실주의의 3기로 나뉘어 생각된다. 18세기 전반에 화산 폭발로 매몰된 로마의 고대 도시 헤르쿨라네움, 폼페이가 발견됨에 따라 고전 · 고대 미술을 자신의 규범으로 삼으려는 기운이 높아졌고, 요한 요아힘 빙켈만의 사상적 지주를 얻으면서 그리스 미술의 모방을 숭상하는 지향이 유럽 전체를 휩쓸었다. 이는 향락주의적인 로코코 미술에 반감을 가진 사람들의 운동이었다고도 한다. 그 후, 나폴레옹의 제정기를 거치면서 프랑스에서는 제국의 영광을 과시하는 미술 양식으로 변모해 각국에 대한 영향력을 쇠퇴시켰다. 나폴레옹은 회화를 중요한 선전 수단으로 여겼기 때문에 황족의 의식을 그린 작품이나 가족 및 측근의 초상 등이 대량으로 제작되었다. 그러나 이러한 움직임은 젊은 예술가들을 중심으로 초조감을 가져오는 결과로 이어졌고, 주관적인 격정에 넘치고 사회적 모순을 규탄하는 리얼리스틱한 작품이 등장하는 토대를 형성했다. 동시에 프랑스 미술의 영향력에서 벗어난 주변 각국은 각국의 역사와 풍토에 기반한 미술의 개화를 촉진했고, 보편적인 고전 · 고대 미술의 모방에서 각국의 특수성으로 관심이 이동하게 되었다. 이로 인해 고전적 양식을 최상으로 여기는 생각은 버려졌고, 때와 경우에 따라 적절한 미술 양식이 선택되는 절충주의라고도 할 수 있는 양식이 도래하게 되었다. 19세기 중반에는 지배층에 대한 불만을 품은 시민 사회에 대응하는 듯 사회의 현실에 눈을 돌리고, 주변의 자연을 그린 풍경화가 제작되기 시작했으며, 프랑스 문학과 연동하여 근대 예술의 기조를 형성하는 커다란 조류가 형성되었다.
건축 분야에서는 고대 건축 유구의 본격적인 조사에 의해 건축 부위의 비례나 주식의 결정이 논의되었고, 18세기 후반에 들어서자 고대 건축을 규범으로 한 건물의 조영이 본격화되었다. 파리의 생트 주느비에브 수도원을 건설한 자크 제르맹 수플로/Jacques-Germain Soufflot프랑스어는, 코린트식 열주랑을 채용하여 고대 미술의 단정하고 소박한 양식을 도입하는 데 성공했다. 또한 고전 고대 건축에 대한 관심에서 기하학적 비례를 중시하고, 라 빌레트의 관문/Rotonde de la Villette프랑스어과 아르크 에 섄의 왕립 염전을 창출한 클로드 니콜라 르두와 아이작 뉴턴 기념비를 설계한 에티엔 루이 불레는 공상적 건축이라는 새로운 경지를 개척했다. 고고학적 관심이 옅어지고 제국의 위신 표현이 횡행하게 되자 특정 건축 양식이 중시되는 일이 없어졌고, 과거의 다양한 양식의 응용을 통해 건축이 이루어졌다. 마들렌 교회, 카루젤 개선문, 말메종 성, 웨스트민스터 궁전 등이 대표적인 건축물로 알려져 있다.
신고전주의 시대의 조각 분야는 규범으로 삼는 고대 고전의 작례가 충실했던 것도 있어서 중요한 미술 분야로 자리매김했다. 이탈리아의 안토니오 카노바는 대표적인 조각가 중 한 명으로, 고대 지향의 특징을 충실히 재현한 뒤 근대 조각의 복잡한 구성을 융합하는 데 성공하여 『아모르와 프시케』 등을 제작했다. 카노바와 쌍벽을 이룬 덴마크의 베르텔 토르발센은 헬레니즘 시대의 조각에 강한 영향을 받아 단정하고 우아한 작품을 발표했다. 그 외, 영국의 존 플랙스먼은 형태 파악과 구성을 고대 조각에 따르면서도 고딕 미술을 연상시키는 유려한 작품을 발표했다. 신고전주의 이후에는 재질의 변화가 나타나 대리석 이외의 석재와 청동이 애용되게 되었다. 또한 표제도 나체를 대신하여 시대 고증을 거친 복장을 하게 되었다. 그러나 미술 전체로 보면 신고전주의 이후에는 회화의 영향이 강하게 미쳐 저조하게 추이했고, 에투알 개선문의 부조 장식을 제작한 프랑수아 뤼드, 초상 조각을 많이 제작한 다비드 당제, 동물 조각이라는 이질성이 화제가 된 앙투안 루이 바리/Antoine-Louis Barye영어 등 몇몇의 활약에 그쳤다.
회화 분야에서 프랑스는 1760년대에 등장한 조제프 마리 비엔이 로코코풍의 주제 그림에 고대의 구도와 포즈를 차용한 작품을 발표하여 인기를 얻었고, 신고전주의 시대를 열었다. 그 후, 드니 디드로의 영향을 받은 장바티스트 그뢰즈에 의해 로마사를 주제로 한 작품이 제작되었고, 1780년대에 들어서자 비엔에게 사사한 자크 루이 다비드가 등장하여 신고전주의의 영화는 절정에 달한다. 나폴레옹 혁명기에 '황제의 수석 화가'라는 칭호를 얻은 다비드가 남긴 수많은 작품은 후세의 다방면에 큰 영향을 미쳤다. 『호라티우스 형제의 서약』, 『소크라테스의 죽음』과 같은 이야기 그림은 푸생의 영향이 강하게 나타난 작품으로 완성되었고, 『테니스 코트의 서약』, 『마라의 죽음』 등은 혁명기의 시각적 기록으로서 중요한 의미를 갖는 작품으로 자리매김하고 있다.
다음 시대에는 우아한 터치로 고대의 서정을 재현한 피에르 폴 뤼동, 극적인 표현 묘법을 특징으로 한 피에르 나르시스 게랭 등이 등장하여 신고전주의의 작풍에 영향을 받으면서도 그 변용을 볼 수 있다. 또한 프랑수아 르네 드 샤토브리앙의 소설 삽화를 담당한 안 루이 지로데 트리오종은 고전적인 형태에 강한 명암을 더함으로써 낭만주의적인 요소의 맹아를 보였다. 한편, 동시대에 나폴레옹의 초상화와 원정 회화를 제작하고 있던 앙투안 장 그로, 도미니크 앵그르 등은 신고전주의의 정통 후계자로서, 색채에 대한 선의 우위성, 정적인 구도 등 신고전주의의 강령을 끝까지 유지한 화가로 알려져 있다. 그 외, 앵그르의 제자로부터 테오도르 샤세리오가 두각을 나타내어 동양적 주제의 작품을 제작하며 낭만주의적 자질을 보였다.
1819년에는 테오도르 제리코가 1816년에 일어난 프리깃함 메두사호의 난파 사건이라는 시사적인 주제를 다루어 『메두사호의 뗏목』을 발표하면서 큰 논쟁을 불러일으켰다. 제리코의 작품은 격렬한 터치와 운동감의 묘사로 표현되었으며, 그 비고전주의적인 주제의 개척은 낭만주의 회화의 선구자로서 명성이 높아진 한 요인이 되었다. 그 후, 『단테의 작은 배』를 그린 외젠 드라크루아에 의해 거친 터치에 의한 동적 표현, 동양적 주제의 채용, 색채의 난무 등 낭만주의 회화의 작풍이 나타났고, 근대 회화의 성립에 다대한 영향을 남겼다. 한편, 동시대의 폴 들라로슈는 낭만주의적 주제를 완벽한 신고전주의 양식으로 그려낸다는 이행기 특유의 작풍으로 일세를 풍미했다. 에콜 데 보자르의 강당 벽화는 그 대표적인 작품 중 하나이다.
이상에 열거한 바와 같이, 19세기 전반의 프랑스에서는 문학적, 역사적 주제를 그려낸 작품이 주류를 이루었지만, 바르비종파의 화가들에 의해 자연을 정확하게 포착한 풍경화 작품이 등장한 것도 이 시대였다. 고전주의적 단정함을 유지하면서 낭만주의적인 자연 애호적인 심정에 넘치는 테오도르 루소, 장 바티스트 카미유 코로 등의 풍경화는 1830년대 무렵부터 사실주의 회화로서 새로운 국면을 열게 되었다. 1850년 전후에 오노레 도미에, 장 프랑수아 밀레, 귀스타브 쿠르베가 등장하여 사실주의 회화를 대표하는 화가로 알려지게 되었다. 1855년, 파리의 만국 박람회에서 사비로 개인전을 연 쿠르베는 세상에 공격적으로 사실주의 회화의 존재를 알렸고, 19세기 후반에 탄생하는 인상주의로의 조류를 만들었다.
한편, 영국의 런던에서는 1760년대에 벤자민 웨스트에 의해 신고전주의적 회화가 도입되자, 로열 아카데미의 설립과 플랙스먼의 활약 등도 있어 로마나 파리와 함께 신고전주의 회화의 중심지로 번영했다. 그러나 고전 회화를 규범으로 삼으면서도 전통에 얽매이지 않는 표현은 비교적 일찍부터 실천되었고, 요한 하인리히 퓌슬리, 윌리엄 블레이크와 같은 개성 넘치는 화가들의 배출에 성공했다. 그런 의미에서는 주제 면에서의 회화의 근대화는 프랑스보다 앞서 영국에서 일어났다고 말할 수 있다. 19세기 전반에 조지프 말로드 윌리엄 터너의 등장으로 영국 회화는 풍경화 황금기를 맞이하게 되었다. 18세기에 유행한 지지적 수채화에서 출발한 터너는 빛의 표현을 추구하여 유화, 수채, 소묘를 가리지 않고 다수의 환상적인 풍경화를 세상에 내놓았다. 터너와는 대조적으로 하늘과 구름의 변화를 기상학에 근거한 지식으로 정밀하게 그려낸 존 컨스터블의 작품은 풍경화가 나아갈 방향을 결정적인 것으로 만들었고, 19세기 후반의 인상주의 회화에 큰 영향을 미쳤다.
독일의 신고전주의는 1761년, 안톤 라파엘 멩스에 의해 제작된 『파르나소스』에서 그 영향을 볼 수 있지만, 그 후로는 대표적이라고 할 수 있는 화가는 배출되지 않았다. 19세기 초에 들어서자 라틴적인 형태 파악과 게르만적인 내성성을 융합한 작품이 등장했고, 타국에는 없는 특이한 미술 운동이 전개되었다. 이 운동은 카스파 다비드 프리드리히, 필리프 오토 룽게 등에 의한 풍경화의 발전과 프란츠 포르 , 요한 프리드리히 오버벡 등에 의한 인간 표현의 심화로 대별할 수 있다. 특히 로마로 이주한 후, 라파엘로와 뒤러를 규범으로 삼아 기독교적 작품의 창출에 주력한 오버벡 등의 활동은 나자레파라고 불리며, 후일 라파엘 전파에 큰 영향을 미쳤다.
그 외, 스페인에 등장한 프란시스코 고야 역시 이 시대를 대표하는 화가 중 한 명이다. 1799년에 수석 궁정 화가의 지위에 오른 고야는, 그 탁월한 화력으로 전쟁과 침략에 대한 증오를 호소하는 작품을 다수 발표했다. 주관적인 정열을 화제로 삼아 작품에 담았다는 점에서는 낭만주의 미술의 선구자라고 할 수 있는 한편, 인생의 과제를 작품에 반영했다는 점에서는 근대 예술의 모습을 보여준 최초의 한 사람이라고 할 수 있다.
6. 1. 신고전주의
신고전주의는 18세기 중반부터 19세기 초까지 프랑스를 중심으로 유럽 전역에 걸쳐 나타난 미술 양식이다. 18세기 전반, 화산 폭발로 매몰된 로마의 고대 도시 헤르쿨라네움, 폼페이가 발견되면서 고전, 고대 미술에 대한 관심이 높아졌고, 요한 요아힘 빙켈만의 사상적 지주를 얻으며 그리스 미술을 모방하려는 움직임이 나타났다. 이는 향락주의적인 로코코 미술에 대한 반발로 볼 수 있다.
미술에서의 고전주의는 고대 그리스와 로마 시대를 문화의 이상으로 존경하며, 엄격한 형식미를 추구했다. 18세기 중엽부터 폼페이 등에서 고대 유적들이 발굴되면서 고대에 대한 관심이 비약적으로 높아졌다. 자크 루이 다비드는 염미적 회화를 배격하고 고전주의를 철저하게 추진한 대표적인 화가로, 프랑스 혁명 전인 1785년에 이미 ⟪호라티우스 형제의 맹세⟫를 발표하여 국난에 임하는 고대 용사의 준엄함을 표현했다. 자크 루이 다비드 외에도, 도미니크 앵그르가 대표적인 신고전주의 화가로 손꼽힌다.
나폴레옹 시대에는 제국의 영광을 과시하는 미술 양식으로 변모하여 각국에 대한 영향력을 행사했다. 나폴레옹은 회화를 중요한 선전 수단으로 여겨 황족의 의식이나 가족, 측근의 초상화 등을 대량으로 제작하게 했다. 그러나 이러한 움직임은 젊은 예술가들을 중심으로 초조감을 불러일으켰고, 주관적인 격정에 넘치고 사회적 모순을 규탄하는 리얼리즘 작품이 등장하는 토대를 형성했다.
건축 분야에서는 고대 건축 유구의 본격적인 조사를 통해 건축 부위의 비례나 주식의 결정이 논의되었고, 18세기 후반에는 고대 건축을 규범으로 한 건물의 조영이 본격화되었다. 파리의 생트 주느비에브 수도원을 건설한 자크 제르맹 수플로/Jacques-Germain Soufflot프랑스어는 코린트식 열주랑을 채용하여 고대 미술의 단정하고 소박한 양식을 도입했다. 클로드 니콜라 르두와 에티엔 루이 불레는 기하학적 비례를 중시하고 공상적 건축이라는 새로운 경지를 개척했다. 마들렌 교회, 카루젤 개선문, 말메종 성 등이 대표적인 신고전주의 건축물이다.
조각 분야에서는 안토니오 카노바가 고대 지향의 특징을 충실히 재현하고 근대 조각의 복잡한 구성을 융합하여 『아모르와 프시케』 등을 제작했다. 베르텔 토르발센은 헬레니즘 시대의 조각에 영향을 받아 단정하고 우아한 작품을 발표했다.
회화 분야에서는 조제프 마리 비엔이 로코코풍 주제 그림에 고대의 구도와 포즈를 차용하여 신고전주의 시대를 열었다. 자크 루이 다비드는 비엔에게 사사받고, 장바티스트 그뢰즈는 드니 디드로의 영향을 받았다. 다비드는 『호라티우스 형제의 서약』, 『소크라테스의 죽음』 등 푸생의 영향이 강하게 나타난 이야기 그림과, 『테니스 코트의 서약』, 『마라의 죽음』 등 혁명기의 시각적 기록으로서 중요한 의미를 갖는 작품을 남겼다. 앙투안 장 그로, 도미니크 앵그르 등은 신고전주의의 정통 후계자로서, 색채에 대한 선의 우위성, 정적인 구도 등 신고전주의의 강령을 끝까지 유지했다.
테오도르 제리코는 『메두사호의 뗏목』을 통해 격렬한 터치와 운동감 묘사로 비고전주의적인 주제를 개척하여 낭만주의 회화의 선구자로 평가받는다. 외젠 들라크루아는 거친 터치에 의한 동적 표현, 동양적 주제, 색채의 난무 등 낭만주의 회화의 작풍을 보이며 근대 회화에 큰 영향을 미쳤다.
19세기 전반 프랑스에서는 문학적, 역사적 주제를 그린 작품이 주류를 이루었지만, 바르비종파 화가들에 의해 자연을 정확하게 포착한 풍경화가 등장했다. 테오도르 루소, 장바티스트 카미유 코로 등의 풍경화는 1830년대 무렵부터 사실주의 회화로서 새로운 국면을 열었다. 1850년 전후 오노레 도미에, 장 프랑수아 밀레, 귀스타브 쿠르베가 등장하여 사실주의 회화를 대표하는 화가로 알려졌다.
영국에서는 벤자민 웨스트에 의해 신고전주의 회화가 도입되었고, 요한 하인리히 퓌슬리, 윌리엄 블레이크와 같은 개성 넘치는 화가들이 배출되었다. 조지프 말로드 윌리엄 터너는 빛의 표현을 추구하여 환상적인 풍경화를 남겼으며, 존 컨스터블은 하늘과 구름의 변화를 정밀하게 그려 사실주의적 풍경화의 방향을 제시했다.
독일의 신고전주의는 안톤 라파엘 멩스의 『파르나소스』에서 그 영향을 볼 수 있다. 카스파 다비드 프리드리히, 필리프 오토 룽게는 풍경화의 발전에 기여했고, 프란츠 포르, 요한 프리드리히 오버벡 등은 인간 표현의 심화를 추구했다. 특히 오버벡 등은 나자레파로 불리며 라파엘 전파에 큰 영향을 미쳤다.
스페인의 프란시스코 고야는 전쟁과 침략에 대한 증오를 호소하는 작품을 다수 발표하여 낭만주의 미술의 선구자이자 근대 예술의 모습을 보여준 최초의 인물 중 한 명으로 평가받는다.
6. 2. 낭만주의
낭만주의는 혁명 시대의 고대 애국정신과 제정 시대의 영웅주의에 대한 반동으로 1800년경에 탄생했다. 문학에서 뚜렷하게 나타났으며, 중세 이야기나 이국 정서에 대한 관심이 높아졌다. 미술에서는 문학이나 정서에서 제재를 구할 뿐만 아니라, 혁신적인 사상을 뿌리치고 감정을 자유롭게 표현하며, 정열적인 내용과 색채를 사용했다. 앙투안장 그로는 페테르 파울 루벤스의 정열적인 색채에 영향을 받았지만, 스승 자크 루이 다비드의 가르침을 존중하면서도 자유분방한 천성을 작품에 드러냈다. 특히 전쟁화에서 그러한 특징이 두드러진다. 그로의 뒤를 이어 테오도르 제리코와 외젠 들라크루아가 등장하면서 낭만주의는 크게 발전했다.
1819년 테오도르 제리코는 1816년에 발생한 메두사호 난파 사건을 다룬 메두사호의 뗏목을 발표하여 큰 논쟁을 일으켰다. 이 작품은 격렬한 붓터치와 운동감 묘사가 두드러지며, 비고전주의적인 주제를 개척하여 낭만주의 회화의 선구자로 평가받게 되었다. 외젠 들라크루아는 거친 붓터치를 사용한 동적인 표현, 동양적인 주제, 다채로운 색채를 활용하여 낭만주의 회화 양식을 확립하고 근대 회화에 큰 영향을 미쳤다.
프란시스코 고야는 주관적인 정열을 작품에 담아 낭만주의 미술의 선구자로 평가받는 동시에, 인생의 과제를 작품에 반영하여 근대 예술의 모습을 보여준 최초의 화가 중 한 명으로 여겨진다.
6. 3. 사실주의
사실주의는 현실을 있는 그대로 묘사하는 것을 목표로 한 미술 양식이다. 19세기 중반, 지배층에 대한 불만을 품은 시민 사회에 대응하는 듯 사회의 현실에 눈을 돌리고, 주변의 자연을 그린 풍경화가 제작되기 시작했다. 프랑스 문학과 연동하여 근대 예술의 기조를 형성하는 커다란 조류가 형성되었다.1850년 전후에 오노레 도미에, 장 프랑수아 밀레, 귀스타브 쿠르베가 등장하여 사실주의 회화를 대표하는 화가로 알려지게 되었다. 특히 귀스타브 쿠르베는 1855년 파리 만국 박람회에서 사비로 개인전을 열어 세상에 공격적으로 사실주의 회화의 존재를 알렸고, 19세기 후반에 탄생하는 인상주의로의 조류를 만들었다. 장 프랑수아 밀레의 『이삭 줍기』는 사실주의 회화를 대표하는 작품으로 알려져 있다.
6. 4. 인상주의
인상주의는 19세기 후반, 빛과 색채의 변화를 포착하여 순간적인 인상을 표현하는 것을 목표로 했던 미술 사조이다. 클로드 모네, 에드가 드가, 피에르 오귀스트 르누아르 등이 대표적인 화가이다. 인상파는 1874년 4월, 파리 카프신가의 전 나다르 사진관에서 첫 번째 전시회를 열었다. 카미유 피사로, 클로드 모네, 알프레드 시슬레, 에드가 드가, 폴 세잔, 피에르 오귀스트 르누아르, 베르트 모리조, 아르망 기요맹 등이 참여한 이 전시회는 '화가·조각가·판화가 무명 협회전'이라는 이름으로 개최되었는데, 모네의 작품 《인상, 해돋이》를 본 잡지 《샤리바리》의 비평가 르로아가 '인상을 그리는 일당'이라고 야유한 것에서 '인상파'라는 이름이 유래했다.
인상파 화가들은 물감을 사용하여 빛을 표현하고, 붓 터치 분할이나 시각 혼합과 같은 과학적 기법을 도입했다. 또한 자포니즘의 영향으로 우키요에와 사진 등에서 힌트를 얻어 구도의 잘라내기와 대담한 부감과 같은 참신한 발상을 도입했다. 인상파의 활동은 서양 회화를 새로운 국면으로 이끄는 중요한 혁신으로 평가받는다.
인상파는 1886년 제8회 전시회까지 계속되었으며, 초기에는 대중의 비판을 받았으나 점차 폴 고갱, 빈센트 반 고흐 등도 참여하며 영향력을 확대했다. 19세기 말, 인상파는 살롱 화가들의 교착 상태에 활로를 열고, 회화가 급속도로 현대로 향하는 계기를 마련했다.
6. 5. 후기 인상주의
후기 인상주의는 인상주의의 영향을 받았지만, 각자의 개성적인 표현을 추구한 화가들을 지칭한다. 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱 등이 대표적인 후기 인상파 화가이다. 이들은 1880년대부터 1890년대에 걸쳐 활약하며 인상주의 이론을 더욱 발전시키고자 노력했다.6. 6. 상징주의
19세기 후반, 인상주의와 함께 예술의 중요한 흐름을 형성한 상징주의는 내적인 사고나 정신 세계, 꿈의 세계를 표현하는 것을 추구했다. 예술의 저속화를 혐오한 예술가들은 현실 세계 너머의 이상 세계를 표현하고자 했다. 상징주의의 시초는 영국에서 일어난 라파엘 전파의 운동이라고 할 수 있다. 단테 가브리엘 로세티, 존 에버렛 밀레이, 윌리엄 홀먼 헌트 등에 의해 결성된 "라파엘 전파 형제단"은 라파엘로 이후의 회화를 퇴폐 예술로 보고, 그 이전의 성실하고 이상적인 예술로의 회귀를 주장하며, 초기 르네상스 시대의 회화를 본뜬 화풍으로 신비와 상징의 세계를 그려냈다. 상징주의를 대표하는 화가로는 귀스타브 모로, 오딜롱 르동 외 아르놀트 뵈클린, 피에르 퓌비 드 샤반 등이 있다. 이러한 움직임은 19세기 말 벨기에, 네덜란드, 스위스, 오스트리아 등 전 유럽으로 확산되었고, 유겐트 양식, 아르 누보와 같은 세기말 운동과 밀접한 관계를 유지하면서 20세기의 예술로 계승되었다.7. 현대
유럽에서 19세기까지의 미술 전통은 사실주의 미학을 바탕으로 현실, 자연의 충실한 재현을 의미했다. 르네상스 이래 미술의 유일한 규범으로 간주되어 오던 사실주의 전통에 반기를 들고 20세기 미술은 새로운 조형적 질서를 창조하기 위한 모색을 거듭했다. 한편에서는 순수한 형태의 조형성을, 다른 한편에서는 색채의 독자적인 표현력을 추구하면서 추상 미술에 도달했다. 또한, 사실주의 전통과 쌍벽을 이루는 합리주의 정신에 대한 반항도 20세기를 특징짓는 요인으로 나타났으며, 다다이슴과 쉬르레알리슴이 대표적인 예이다.
제2차 세계 대전 이후, 전후 미술은 20세기 후반으로 접어들면서 더욱 과격한 미학적 모험과 실험을 거듭했다. 앵포르멜 미술과 액션 페인팅의 등장은 전쟁 이전의 고전적 추상미학에 종지부를 찍었으며, 이후 상극(相克)과 초극(超克)의 변천은 오늘날까지 계속되고 있다. 전전의 '이즘' 중심의 미술 운동과 달리 전후의 동향은 '아트(art)'의 명칭을 앞세우고 있다. 팝 아트, 옵 아트, 키네틱 아트, 라이트 아트, 정크 아트, 개념 미술(conceptual art) 등이 그 예이다.
7. 1. 야수파 (포비슴)
포비슴(야수파)은 20세기 최초의 회화 혁명으로, 1905년 살롱 도톤에 출품된 선명한 색채 표현을 가진 일련의 작품들을 창출한 화가들이 일으킨 운동이다. 조르주 쇠라 등 후기 인상주의 회화의 색채 이론과 빈센트 반 고흐의 원색 표현에 영향을 받아, 독자적인 색채 표현을 탐구하고 색채의 사실적 역할로부터의 해방을 목표로 했다.
평론가 Louis Vauxcelles영어는 『질 블라스』지에서 "원색의 향연 속에 있는 야수들의 집합"이라고 비판했지만, 많은 화가들이 이 새로운 양식에 공감했다. 주요 멤버로는 앙리 마티스, 조르주 루오, 알베르 마르케, 모리스 드 블라맹크, 앙드레 드랭, 키스 반 동겐, 라울 뒤피, 조르주 브라크 등이 있다.
포비슴은 명확한 선언이 없었기 때문에 큰 유행으로 이어지지 못하고 1905년을 정점으로 쇠퇴했다. 포비슴을 체험한 화가들은 이후 각자의 방향성을 찾아가게 되었다.
7. 2. 입체파 (큐비즘)
파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 추진된 큐비즘(입체주의)은 형태와 구성에 있어서 회화 혁명으로, 후안 그리스가 더해져 몽마르뜨를 중심으로 활동이 전개되었다. 특히 피카소는 90년에 걸친 긴 생애 동안 끊임없이 회화의 혁신과 실험을 시도하며 20세기 예술의 방향성에 큰 영향을 주었다. 1907년에 발표한 큐비즘의 출발점인 『아비뇽의 처녀들』에서는 아프리카 가면 조각과 같은 원시 미술의 영향을 받은 대담한 데포르메이션과 폴 세잔의 영향을 받은 지적인 구성이 융합되어 이전에는 없었던 새로운 회화 세계를 실현했다. 큐비즘은 대상을 해체하여 화면에서 재구성하는 수법뿐만 아니라, 신문 등의 실물을 직접 화면에 붙이는 콜라주 기법을 창안하여 회화의 모습을 일변시켰고, 후세 예술가들에게 큰 영향을 주었다. 피카소, 브라크, 그리스 외에 큐비즘의 대표적인 화가로는 페르낭 레제, 로베르 들로네 등이 있다.7. 3. 표현주의
20세기 전반 독일을 중심으로 주관 표출을 목표로 하는 전위적 예술 운동인 표현주의가 발생하였다. 독일 표현주의 운동은 나비파와 접촉이 있던 노르웨이 화가인 뭉크처럼 뛰어난 선구자가 있었고, 독일의 향토 예술과 정감적인 자연파, 세기말의 미술, 16세기 독일 미술의 전통에서 영향을 받았다.
독일 표현주의의 최초의 그룹은 1905년 드레스덴 고등공업학교 건축과 학생들로 결성된 '브뤼케'였다. 1909년 뮌헨에서 '신예술가동맹(Neue Künstlervereinigung München)'이 탄생하여 분리파에 대항하였고, 1911년에는 '블라우에 라이터' 그룹이 파생하였다. 이 그룹은 '제예술(諸藝術)의 통합'을 이념으로 내걸었으며, 바우하우스 운동을 선취하였다.
같은 해, 살롱 도톤에 출품된 작품을 창출한 화가들이 일으킨 운동인 포비슴(야수파)은 20세기 최초의 회화 혁명이라고 불린다. 조르주 쇠라 등 후기 인상주의 회화가 가진 색채 이론과 고흐의 원색 표현의 영향을 받은 포비슴은 독자적인 색채 표현을 탐구하고 색채의 사실적 역할로부터의 해방을 목표로 했다. 주요 멤버로는 앙리 마티스, 조르주 루오 등이 있다.
에른스트 루트비히 키르히너등을 중심으로 결성된 브뤼케는 독일 표현주의의 제1파로 여겨지며, 강렬한 색채 표현을 특징으로 한다는 점에서 포비슴과 공통점을 가지고 있었지만, 보다 농밀한 회화를 발표했다. 뮌헨 신 예술가 협회는 초기 멤버인 프란츠 마르크, 아우구스트 마케, 바실리 칸딘스키에 파울 클레가 더해지면서 청기사로 발전하여, 전후의 추상 표현주의로 이어지는 대담한 회화 표현을 시도하는 활동을 실시했다.
7. 4. 추상 미술
추상 미술은 구체적인 대상을 재현하는 것에서 벗어나 점, 선, 면, 색과 같은 순수한 조형 요소를 통해 작품을 구성하는 것을 목표로 한다. 바실리 칸딘스키와 피트 몬드리안 등이 대표적인 추상 미술 화가이다.뮌헨 신 예술가 협회에서 프란츠 마르크, 아우구스트 마케, 바실리 칸딘스키에 파울 클레가 더해지면서 청기사로 발전하여, 전후의 추상 표현주의로 이어지는 대담한 회화 표현을 시도하는 활동을 했다. 카지미르 말레비치 등에 의한 수프레마티즘과 같은 추상주의적 회화는 미래파의 영향 속에서 탄생했다. 수프레마티즘을 추진했던 블라디미르 타틀린, 앙투안 벤스너, 나움 가보 등은 그 후 구성주의를 추진했다.
네덜란드의 피에트 몬드리안이 창시한 신조형주의도 기하학적인 추상 표현을 극대화한 양식 중 하나이다. 몬드리안은 큐비즘(입체주의)의 영향을 받아 자연 풍경을 수직과 수평의 요소로까지 환원하고, 이 단순한 구도에 색의 삼원색을 조합하는 미학에 도달했다. 또한 몬드리안은 테오 반 되스버르흐와 함께 데 스테일 운동을 추진하여, 회화에 머무르지 않는 폭넓은 예술 분야로 신조형주의의 양식을 확대해 나갔다.
장 포트리에의 두껍게 칠한 구상적인 작품은 그 후 앵포르멜이라고 불리는 표현주의적 추상 회화로 1950년 이후에도 인기를 끌게 된다.
7. 5. 다다이즘
제1차 세계 대전의 발발은 사회와 문화에 대한 강한 비판을 불러일으켰고, 이는 모든 기성 가치를 부정하는 다다이즘의 탄생으로 이어졌다. 다다이즘은 기존의 문명과 예술에 반대하며, 모든 가치의 전환을 시도하고 과거의 예술과 문화를 철저히 파괴하고 부정했다.마르셀 뒤샹은 『샘』이라는 변기를 출품하거나, 수염이 있는 모나리자를 그린 『L.H.O.O.Q.』와 같은 작품을 통해 다다이즘의 대표적인 예술가로 활동했다.
7. 6. 초현실주의
초현실주의는 무의식과 꿈의 세계를 탐구하여 이성과 현실을 초월한 세계를 표현하는 것을 목표로 했다. 시인 앙드레 브르통이 1924년에 『초현실주의 선언』을 발표함으로써 정의의 명확화를 도모했다. 예술 분야에서 막스 에른스트, 살바도르 달리, 르네 마그리트, 이브 탕기 등을 중심으로 전개된 초현실주의 운동은, 각자의 상상력을 자양분으로 꿈과 현실이 모순 없이 세계를 구축하는 듯한 세계(초현실)의 실현을 목표로 했다. 살바도르 달리와 르네 마그리트 등이 대표적인 화가이다. 작품 제작에 있어서, 그들은 데페이즈망, 자동 기술법, 프로타주, 데칼코마니와 같은 새로운 기법을 잇따라 고안하여 후세에 무시할 수 없는 다대한 영향을 남겼다.제1차 세계 대전 후에는 다다이즘에 의한 부정을 받아 비합리적인 세계를 해방함으로써 새로운 가치의 창조를 꾀하는 움직임이 시작되었다.
7. 7. 추상 표현주의
제2차 세계 대전 이후 미국에서 발전한 미술 사조인 추상 표현주의는 주관적이고 즉흥적인 표현을 특징으로 한다. 잭슨 폴록, 마크 로스코 등이 대표적인 화가로 알려져 있다. 1945년, 제2차 세계 대전이 종결되자, 전쟁의 영향을 강하게 엿볼 수 있는 전후 미술이 등장했다. 프랜시스 베이컨이 그린 『풍경 속의 인물』, 장 포트리에의 『인질』과 같이, 전쟁의 비극이 가져온 인간 그 자체에 대한 질문을 포함하는 비극적인 양상을 표현하는 경향을 보였다. 아메바와 같은 부정형의 폼과 피를 연상시키는 생생한 색채를 사용한 볼스나, 유아나 정신 장애인의 그리는 원생 예술을 추구하여, 아르 브뤼를 주창한 장 뒤뷔페 등도 대표적인 화가로 꼽힌다. 포트리에의 두껍게 칠한 구상적인 작품은 그 후 앵포르멜이라고 불리는 표현주의적 추상 회화로 1950년 이후에도 인기를 끌게 된다. 이러한 작품들은, 보수적인 저널리즘이나 일반 관중으로부터 "아이들의 낙서"라고 조롱받으면서도 감각에 직접 호소하는 신선한 박력을 가진 표현 형식으로서 그 지위를 확립했다. 한편, 이러한 표현주의적 추상 회화가 채택한 구상적 모티프의 거부를 부정함으로써 현실로의 복귀를 시도한 네오 다다와 팝 아트가 탄생한 것도 이 시대였다.7. 8. 팝 아트
팝 아트는 대중문화와 소비사회의 이미지를 차용하여 미술 작품을 제작하는 것을 목표로 했다. 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인 등이 대표적인 예술가이다.7. 9. 미니멀리즘
미니멀리즘은 최소한의 조형 요소를 사용하여 작품을 구성하는 것을 목표로 했다. 도널드 저드, 솔 르윗 등이 대표적인 예술가이다.7. 10. 개념 미술
개념 미술은 작품의 아이디어나 개념을 중요시하는 미술 사조이다. 1980년대 이후 미술을 표현하는 새로운 방법들이 잇따라 생겨났으며, 그것들이 서로 영향을 주고받으며 복잡한 미술 체계가 구축되었다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의할 수 있으며, 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다. 신디 셔먼이나 로버트 메이플소프와 같은 사진 미술 작품과 마리나 아브라모비치와 같이 자신의 신체를 이용한 퍼포먼스적인 미술 작품으로 대표되는 등, 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)이 탄생하고 있다.1960년대 후반부터 1970년대에 걸쳐 탄생한 로버트 스미슨을 효시로 하는 어스워크(랜드 아트)도 이러한 다양화된 표현 형식의 귀결 중 하나이다. 자연파라고 불린 그들은 지구를 캔버스로 삼아, 방문조차 쉽지 않은 곳에 작품을 직접 제작함으로써, 제한된 공간으로부터의 해방과 미술의 상업주의로부터의 탈피를 시도했다. 대표적인 것으로는 이미 그레이트솔트호의 호수 속에 수몰된 스미슨의 『나선형 방파제』, 낙뢰를 부르는 금속 폴 400개를 등간격으로 설치하여 낙뢰 현상 그 자체를 미술 작품으로 발표한 월터 드 마리아의 『라이트닝 필드』, 스톤헨지나 스톤 서클과 같은 원초적인 조형을 추구한 리처드 롱의 환상 열석 작품군 등이 있다.
7. 11. 포스트모더니즘 미술
1980년대 이후 미술은 새로운 표현 방법들이 잇따라 등장하고 서로 영향을 주고받으며 복잡한 체계를 구축했다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의되며 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다. 신디 셔먼이나 로버트 메이플소프와 같은 사진, 마리나 아브라모비치와 같이 신체를 이용한 퍼포먼스 등 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)이 탄생했다.1960년대 후반부터 1970년대에 걸쳐 탄생한 로버트 스미슨을 효시로 하는 어스워크(랜드 아트)도 이러한 다양화된 표현 형식의 하나이다. 자연파라고 불린 그들은 지구를 캔버스로 삼아, 방문조차 쉽지 않은 곳에 작품을 직접 제작함으로써, 제한된 공간으로부터의 해방과 미술의 상업주의로부터의 탈피를 시도했다. 이미 그레이트솔트호에 수몰된 스미슨의 『나선형 방파제』, 낙뢰를 부르는 금속 폴 400개를 등간격으로 설치하여 낙뢰 현상 자체를 미술 작품으로 발표한 월터 드 마리아의 『라이트닝 필드』, 스톤헨지나 스톤 서클과 같은 원초적인 조형을 추구한 리처드 롱의 환상 열석 작품군 등이 대표적이다.
8. 현대 이후
1980년대 이후 미술을 표현하는 새로운 방법들이 잇따라 생겨났으며, 그것들이 서로 영향을 주고받으며 복잡한 미술 체계가 구축되었다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의할 수 있으며, 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다. 신디 셔먼이나 로버트 메이플소프와 같은 사진 미술 작품과 마리나 아브라모비치와 같이 자신의 신체를 이용한 퍼포먼스적인 미술 작품으로 대표되는 등, 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)이 탄생하고 있다.
1960년대 후반부터 1970년대에 걸쳐 탄생한 로버트 스미슨을 효시로 하는 어스워크 (랜드 아트)도 이러한 다양화된 표현 형식의 귀결 중 하나이다. 자연파라고 불린 그들은 지구를 캔버스로 삼아, 방문조차 쉽지 않은 곳에 작품을 직접 제작함으로써, 제한된 공간으로부터의 해방과 미술의 상업주의로부터의 탈피를 시도했다. 대표적인 것으로는 이미 그레이트솔트호의 호수 속에 수몰된 스미슨의 『나선형 방파제』, 낙뢰를 부르는 금속 폴 400개를 등간격으로 설치하여 낙뢰 현상 그 자체를 미술 작품으로 발표한 월터 드 마리아의 『라이트닝 필드』, 스톤헨지나 스톤 서클과 같은 원초적인 조형을 추구한 리처드 롱의 환상 열석 작품군 등이 있다.
8. 1. 미디어 아트
1980년대 이후 미술을 표현하는 새로운 방법들이 잇따라 생겨났으며, 그것들이 서로 영향을 주고받으며 복잡한 미술 체계가 구축되었다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의할 수 있으며, 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다. 이외에도 신디 셔먼이나 로버트 메이플소프와 같은 사진 미술 작품과 마리나 아브라모비치와 같이 자신의 신체를 이용한 퍼포먼스적인 미술 작품으로 대표되는 등, 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)이 탄생하고 있다. 비디오, 컴퓨터, 인터넷 등 새로운 매체를 활용한 미술 작품들이 제작되며, 특히 백남준은 한국 출신의 세계적인 비디오 아티스트로, 한국 현대 미술에 큰 영향을 미쳤다.8. 2. 설치 미술
1980년대 이후 미술을 표현하는 새로운 방법들이 잇따라 생겨났으며, 그것들이 서로 영향을 주고받으며 복잡한 미술 체계가 구축되었다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의할 수 있으며, 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다고 할 수 있다. 신디 셔먼이나 로버트 메이플소프와 같은 사진 미술 작품과 마리나 아브라모비치와 같이 자신의 신체를 이용한 퍼포먼스적인 미술 작품으로 대표되는 등, 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)이 탄생하고 있다.1960년대 후반부터 1970년대에 걸쳐 탄생한 로버트 스미슨을 효시로 하는 어스워크(랜드 아트)도 이러한 다양화된 표현 형식의 귀결 중 하나이다. 자연파라고 불린 그들은 지구를 캔버스로 삼아, 방문조차 쉽지 않은 곳에 작품을 직접 제작함으로써, 제한된 공간으로부터의 해방과 미술의 상업주의로부터의 탈피를 시도했다. 대표적인 것으로는 이미 그레이트솔트호의 호수 속에 수몰된 스미슨의 『나선형 방파제』, 낙뢰를 부르는 금속 폴 400개를 등간격으로 설치하여 낙뢰 현상 그 자체를 미술 작품으로 발표한 월터 드 마리아의 『라이트닝 필드』, 스톤헨지나 스톤 서클과 같은 원초적인 조형을 추구한 리처드 롱의 환상 열석 작품군 등이 있다. 설치 미술은 특정 공간에 오브제나 장치를 설치하여 공간 전체를 작품으로 만드는 것을 목표로 한다.
8. 3. 대지 미술
1960년대 후반부터 1970년대에 걸쳐 탄생한 로버트 스미슨을 효시로 하는 어스워크(랜드 아트)는 다양화된 표현 형식의 귀결 중 하나이다. 자연파라고 불린 그들은 지구를 캔버스로 삼아, 방문조차 쉽지 않은 곳에 작품을 직접 제작함으로써, 제한된 공간으로부터의 해방과 미술의 상업주의로부터의 탈피를 시도했다. 대표적인 것으로는 이미 그레이트솔트호의 호수 속에 수몰된 스미슨의 『나선형 방파제』, 낙뢰를 부르는 금속 폴 400개를 등간격으로 설치하여 낙뢰 현상 그 자체를 미술 작품으로 발표한 월터 드 마리아의 『라이트닝 필드』, 스톤헨지나 스톤 서클과 같은 원초적인 조형을 추구한 리처드 롱의 환상 열석 작품군 등이 있다.8. 4. 퍼포먼스 아트
1980년대 이후 미술을 표현하는 새로운 방법들이 잇따라 생겨났으며, 그것들이 서로 영향을 주고받으며 복잡한 미술 체계가 구축되었다. 백남준의 비디오 아트, 영화를 포함한 영상 작품도 미술 작품으로 정의할 수 있으며, 현대 미술의 주요 부분을 차지하게 되었다고 할 수 있다. 마리나 아브라모비치와 같이 자신의 신체를 이용한 퍼포먼스적인 미술 작품은 다양한 매체를 사용한 표현 형식(미디어 아트)의 대표적인 예시로 꼽힌다.참조
[1]
문서
B.C25000〜20000年
[2]
문서
B.C20000〜10000年
[3]
웹사이트
【超入門】西洋美術史・絵画史とは？年表順に解説
https://histo-graphy[...]
2019-11-10
[4]
서적
이연식의 서양 미술사 산책
https://books.google[...]
은행나무
2017
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